Blog da Ânima

Entrando no Mundo dos Quadrinhos - parte 5

2012-01-30T10:38:00.003-02:00

O texto a seguir foi escrito pelo artista Dan Panosian em seu diário no site DeviantArt, e você pode ler o original em inglês aqui: http://urban-barbarian.deviantart.com/journal/Breaking-Into-Comics-Part-Four-222995756

O texto foca mais nos quadrinhos americanos, mas com certeza tem várias dicas interessantes para desenhistas de mangá e artistas em geral.

Veja as outras partes do texto aqui:
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Entrando no mundo dos Quadrinhos

PARTE CINCO: Seu primeiro trabalho

Vamos imaginar que todo o seutrabalho deu resultado e uma editora lhe deu um roteiro para desenhar ou umapágina para arte-finalizar. Talvez seja só uma história de fundo, não importa.Você tem um trabalho.

Naturalmente, você vai quererfazer seu melhor trabalho para impressionar bastante o editor e os fãs, masvocê talvez se sinta um pouco intimidado ou pressionado na hora de trabalhar.Claro, isso é bastante natural. É como a sua primeira vez rebatendo num jogo debeisebol. É claro que você praticou e já rebateu bolas antes. Nesse caso, suasamostras eram a sua prática. Mas agora tem gente assistindo e seu parceiro dejogo não é o treinador ou seu amigo. Agora, é bastante diferente.

Independente disso, é hora dedesenhar. Minha sugestão é começar imediatamente. Se você for um desenhista,isso significa ler o roteiro e talvez fazer alguns rascunhos e miniaturas.Convença-se de que são idéias iniciais e não rãs cunhos finais. Se você for umarte-finalista, comece pegando os gabaritos e desenhando figuras como ovais ecírculos. Por enquanto, você estará fazendo coisas básicas que não requeremmuita habilidade artística ou muito tempo.

Em ambos os casos, começar dessamaneira cumpre duas coisas: um, sem perceber, você está começando. É o maisdifícil de fazer em quadrinhos. E dois, você estará montando uma boa base para odia seguinte. Quando voltar às páginas, já terá dado a partida. Já há trabalhofeito sobre o qual continuar, e você já derrubou a primeira e mais assustadorabarreira. Começar devagar em cada elemento faz do processo algo bem mais fácil.Antes de perceber, já terá terminado. Cada passo não irá cansá-lo ouderrubá-lo. Separando o processo em partes e começando imediatamente, tirarátodo o medo e a pressão dos seus ombros.

Voltemos um pouco no caso dodesenho a lápis. Estamos no segundo dia e você está lá, encarando seus esboçosiniciais. Talvez eles estejam quase vagos demais para usar. Tudo bem. Mas vocêjá tem idéias para a narrativa na sua frente. Existe uma técnica divertida queeu gosto de usar quando faço arte-final, mas que pode ser usada também noestágio do desenho. Quantas vezes você já fez uma crítica sobre o trabalho dealguém? Mesmo que você nunca tenha se dirigido formalmente a outro artista em relaçãoao seu trabalho, você provavelmente fez isso na sua mente. Pode ter pensado“pessoalmente, eu acho que esse quadro funcionaria melhor desse ângulo”, ou“isso não funciona, você deveria tentar isso...”. Bem, tente fazer isso com oseu próprio trabalho. Finja que esses rascunhos foram desenhados por outrapessoa e que você precisa “ajudá-la”. De repente, seus olhos se abrem e é maisfácil ver maneiras de melhorar suas idéias/designs/composições iniciais. Confieem mim, isso funciona. Eu uso essa técnica quando vou arte-finalizar meupróprio lápis: imagino que a página foi desenhada por algum iniciante queprecisa de ajuda em todos os aspectos de seu trabalho, e vou à luta.Magicamente, consigo reparar erros (infelizmente, não todos...) e a página se tornamuito melhor do que se eu me mantivesse fiel aos meus rascunhos originais.

Esse processo funciona porquepermite que você “saia da caixa”: você se afasta um pouco do problema doproblema para observá-lo sob um novo olhar. Você retira a pressão de si mesmo eanalisa a arte como se você fosse o professor, e isso parece mais seguro. Comoresultado disso, você verá uma significativa melhora no seu trabalho. Oprimeiro passo é rascunhar; o seguinte é refinar esses rascunhos. Depois, érascunhar na página definitiva os elementos-chave da composição. Aí, começar adefinir formas e figuras centrais. E aí continuar a refinar formas e elementosaté estar satisfeito com a página. E assim, de pouco em pouco, sem sofrimento,você completa uma página ou série de páginas.

Nota extra: não estoure seuprazo. Isso, acima de tudo, é essencial. Entregue o trabalho em tempo. Como umtrabalho numa loja ou restaurante, se você se atrasar, é despedido. Isso tambémse aplica a revistas em quadrinhos e mesmo assim muitos artistas acabamatrasando. Editores dão valor a boa arte, mas também a artistas que entregamseus trabalhos no prazo. Porque se você não o fizer, isso custará à companhia(impressão, cronograma, compromissos de venda, etc). Se a companhia não cumprirseus objetivo de entrega, não consegue ficar no negócio. Se eles não ficarem nonegócio, seu editor perderá o emprego. E para o editor, o trabalho e a vidadele são mais importantes que o seu. Desculpe, mas é como o mundo funciona.

Legal, você terminou suaspáginas... e agora? Obviamente você quer entregá-las, mas digamos que não hajapromessa concreta ou indicação de um trabalho futuro. O que fazer? Você precisacomeçar a mostrar seu trabalho ao mundo. Não dependa apenas de um editor sevocê não tem outro trabalho já na fila. Você precisa cair na estrada de novo,da mesma maneira que fez para conseguir esse primeiro trabalho. A boa notícia éque agora você tem algum trabalho publicado a seu favor. Novas amostras, queprovavelmente são consideravelmente melhores do que as que você usou paraconseguir seu primeiro serviço.

Até você ter garantido um acordosólido de trabalho, você deve continuar procurando editores e editoras da mesmamaneira que fez inicialmente. Não existe um grupo secreto de editores quemarcam encontros e ficam imaginando se você tem trabalho ou não. Eu conheçoprofissionais que não conseguem trabalhos fixos e ficam se perguntando porque otelefone deles não toca. Eles imaginam que há uma reunião semanal de editores eque eles falam sobre todos os artistas que já trabalharam para suas companhias,acompanhando seu trabalho. Obviamente não há negócios que funcionem dessamaneira, mas parece mais fácil imaginar que se uma editora já contratou seusserviços uma vez (ou várias), ela o mantém “em seu sistema”. O sistemarecompensa aqueles que correm atrás dele. Você não vai conseguir um pedaço detorta na fila da lanchonete, a não ser que peça por ele. Ele está lá, mas oatendente atrás do balcão não consegue ler a sua mente, e não vai despejarcomida na sua bandeja se você não disser o que quer. Você precisa pedir.

Então peça. Mande amostras. Senão conseguir um novo trabalho baseado no seu último, faça mais amostras.Melhore. Você melhorou o suficiente para conseguir aquele primeiro trabalho,agora é hora de melhorar ainda mais para conseguir mais um. Acredite em mim, acada trabalho que completar, você melhorará drasticamente. Se isso nãoacontecer, você não tem tanta paixão por essa mídia como imaginava. Há tanto aaprender e melhorar em todos os estágios e níveis da arte, isso nunca acaba. Sóa sua paixão por aprender e crescer pode acabar.

Boa sorte, bárbaros. Derrubem esse portal.

Página de "Richie Rich", pelo prof. Marcelo Ferreira

2012-01-23T14:23:00.001-02:00

Hoje o blog da Ânima traz para vocês um vislumbre doprocesso de produção de uma página da revista Richie Rich, da editoraamericana Ape Comics, ilustrada por ninguém menos que nosso professor deHistória em Quadrinhos, Marcelo Ferreira!

Veja nas ilustrações abaixo algumas das principais etapas darealização dessa página. Clique nas imagens para vê-las ampliadas!

O desenho, feito a grafite e lápis azul (que não apareceao ser escaneado)

A arte-final feita a nanquim

A página final, colorida por Dustin Evans e letreirada porDeron Bennett

XVII Concurso Infantil Cartão de Natal 2011

2012-01-16T13:24:00.003-02:00

Todo ano, o Sindicato dos Contabilistas de Campinas e Regiãoorganiza seu Concurso Infantil de Cartão de Natal. Esse ano, nós da Ânima temoso orgulho de ter três alunos entre os participantes premiados!

Veja suas artesabaixo, e clique nas imagens para ver os desenhos ampliados:

Bruna Saviolli Prado (Menção honrosa)

Gabriela Rocha Teixeira (Bronze – Categoria 7 a 10 anos)

Anna Julia Damala Franco de Souza (Grande Ouro)

Parabéns a todos os alunos que participaram e aos nossosprofessores de Arte para Crianças, Halima e Wendell!

Entrando no mundo dos Quadrinhos - parte 4

2012-01-09T14:51:00.001-02:00

O texto foca mais nos quadrinhos americanos, mas com certeza tem várias dicas interessantes para desenhistas de mangá e artistas em geral.

Veja as outras partes do texto aqui:
Parte 1

Parte 2

Parte 3
Parte 5

Entrando no mundo dos Quadrinhos

PARTE QUATRO: Publicação independente e trabalho em “spec”

Uma maneira de ser notado poreditoras maiores é publicar sua própria revista em quadrinhos. Obviamente,isso requer uma grande quantidade de trabalho. Uma história precisa serescrita, desenhada, arte-finalizada (opcional), colorida (opcional) eletreirada. Você também precisa de algum capital para pagar os custos deimpressão e algum tipo de plano para distribuição. Mas o maior fator é o tempoque é necessário para a criação de material para uma história de tamanhopublicável. Se você já terminou seus estudos, provavelmente está trabalhando emalgum emprego para pagar suas contas. Administrar seu tempo de maneiraapropriada para colocar uma revista nas ruas requer disciplina e paixão.Obviamente não é impossível, pessoas fazem isso o tempo todo com variadosníveis de sucesso. A experiência ganha com essa empreitada é provavelmenteequivalente a um ano de estudos.

Mas se você decidiu pular a etapade avaliação de portfolio para conseguir trabalho numa das grandes editoras dequadrinhos, você deve estar pronto para aceitar os prós e contras dessaexperiência. Por essa ser a sua primeira incursão no mundo da arte seqüencial,as chances de aclamação da crítica são baixas. Provavelmente seja uma boa idéiaentrar nessa sabendo que essa empreitada é uma grande experiência deaprendizado. Certamente é. E, é claro, sempre existe a chance de que suapublicação independente dê certo e se torne, de fato, um sucesso. Entretanto,na maioria dos casos, a experiência o ajudará a criar amostras que um editorpossa avaliar. Como mencionei, quanto mais páginas desenhar, mais vocêmelhorará suas habilidades. Publicar uma história em quadrinhos forçará você adesenhar coisas que talvez nunca tenha desenhado (mesmo que você mesmo escrevaa história).

O lado ruim de publicar umarevista em quadrinhos, sem experiência prévia de trabalho, é o tempo e aenergia extras que serão necessários. Para ser sincero, você provavelmente nãocobrirá seus gastos. Dito isso, talvez você decida trabalhar com especulação (spec). Também, deve-se perceber que umartista profissional que decida se auto-publicar tem uma chance bem maior desucesso, tanto monetariamente quanto em termos de carreira. Estamos falandoaqui dos prós e contras para o artista amador ou iniciante.

Trabalhar em spec significa trabalhar com a especulação de que (nesse caso) arevista em quadrinhos que você desenhou de graça dê lucro e a editora possaeventualmente te pagar. Entenda que trabalhar com especulação, em 99 de cada100 vezes, quer dizer trabalhar de graça. Depois de mais de 20 anos no negóciode arte eu só fui pago em projetos de especulação uma vez. Já fiz tantosprojetos em especulação (como muitos artistas) que eu geralmente tenho umaregra de NUNCA fazer esse tipo de trabalho. E se você é um artistaprofissional, eu sugiro fortemente que também nunca faça. Como um cabeleireironão cortaria seu cabelo de graça, você não deve desenhar de graça para alguém. Seu talento tem valor.

O começo da sua carreira, no entanto,pode ser uma boa época para fazer esse tipo de trabalho, desde que você entendaque, mesmo com a promessa de pagamento posterior, você quase nunca será pago. Arazão para aceitar esse tipo de trabalho é simples: a experiência de tertrabalho publicado. Simples assim. Como com a publicação independente, aexperiência que você ganhará desenhando uma revista em quadrinhos de verdadenão tem preço. Ao fim do processo, você já não será mais o mesmo artista.Poderá ter aprendido que nunca vai querer desenhar outra história em quadrinhos. Masmais provavelmente aprenderá o que é que você precisa para melhorar. Aprenderáo que você faz bem. Aprenderá como resolve um obstáculo artístico com o qualnão tinha se deparado antes.

Se você está considerando algumadessas opções, eu pessoalmente tomaria o rumo da especulação (entendendo queisso significa trabalho de graça). Em ambos os casos você ganhará uma tremendaexperiência de trabalho e amostras boas para mostrar para editores. A vantagemdesse tipo de trabalho é que você não gastará nada do seu dinheiro para cobrirgastos de publicação. Desenhar uma revista em quadrinhos de graça já é difícil,pagar uma gráfica para imprimi-la é um custo que eu tentaria evitar de qualquermaneira possível.

A outra opção é trabalhar maisduro em cima de suas amostras. DeviantArt, seu próprio blog ou seu próprio sitepodem ser usados para promover seus esforços e aumentar seu reconhecimento. Hámuitas ferramentas à sua disposição hoje em dia, a maioria delas gratuitamente.Faça total proveito delas e controle o seu sucesso artístico. Talvez vocêqueira escolher um desses locais na internet para publicar uma página dehistória por semana. Ao final de 22 semanas, você terá o conteúdo de uma ediçãocompleta e um bom número de amostras viáveis de serem mostradas a um editor.Também estará construindo sua presença na Web. O bom disso é que seria quasecomo se auto-publicar, mas sem os custos de impressão. É algo para se pensar.

Por fim, a idéia é que você não será contratável atéque seu trabalho melhore, e ele não melhorará a não ser que você desenhe maispáginas seqüenciais. O ditado popularizado no filme “O Campo dos Sonhos” tempoder de verdade: “Se você construir, eles virão”. O truque é construir algopara o qual valha a pena vir.

Almoço de Fim de Ano dos alunos de Mangá

2011-12-18T10:16:00.002-02:00

A turma de mangá do sábado se reuniu na escola no último dia de aula (17/12) pra fazer um almoço e pra curtir mais um pouquinho, todo mundo junto.

Henrique, Prof Israel, Lucas, prof Gisela, Fábio e Leila.

Carlos e Gabriel.

O Molho sendo preparado...

Que é isso, Henrique?

Teve muita diversão!

Quem disse que o Prof. Israel veio só pra comer?

E palhaçada!

Vai um bolinho pra começar?

Pois é... esquecemos o abridor de latas! Mas pra tudo dá-se um jeito.

E o molho ficou pronto!

E o que será que tem NESSA panela???

OOOOH!

Ficou bonito, hein?

Vamos comer?

O almoço aconteceu no jardim da Ânima!

E depois que começaram a comer ficou um silêncio...

Pega pra mim também, poxa!

Todo mundo: Nicolas, Carol, prof Gisa, prof Israel, Fábio, Diego, Leila, Carlos, Gabriel, Henrique e Lucas

Sobrou pro Gabriel e pro Fábio lavar e enxugar a louça...

Enquanto o resto não aguentava nem se mexer de tanto que comeu!

Desejamos a todo um ótimo fim de ano e que muito mais coisas boas aconteçam!

A Ânima fica muito feliz em fazer realmente parte da vida de seus alunos!

Que venha 2012!

Mensagem de Fim de Ano!

2011-12-14T15:49:00.000-02:00

Clique na imagem acima para ler essa linda mensagem e os votos de fim de ano da Ânima para todos os seus alunos, professores e amigos!

Entrando no mundo dos quadrinhos - Parte 3

2011-12-12T14:33:00.003-02:00

O texto foca mais nos quadrinhos americanos, mas com certeza tem várias dicas interessantes para desenhistas de mangá e artistas em geral.

Veja as outras partes do texto aqui:
Parte 1

Parte 2
Parte 4
Parte 5

Entrando no Mundo dos Quadrinhos

Parte Três: Apresentando suas amostras

OK, já discutimos que para entrarno mercado das revistas em quadrinhos (ou qualquer mercado baseado em arte,verdade), é necessário ter um auto-consciente olho crítico e, em geral, vocênão consegue simplesmente desenhar de 3 a 6 páginas de quadrinhos pela primeira vez ecom isso arranjar um trabalho com as melhores editoras. Mesmo que isso soebastante razoavelmente, alguns artistas não entendem que você precisaengatinhar no começo da sua carreira de quadrinista.

Coloquemos da seguinte maneira:você talvez queira ser um advogado. Talvez tenha recebido notas altas nafaculdade e se considere muito inteligente. De fato, você pode ser muitointeligente, mas isso não quer dizer que passará no exame da Ordem dos Advogadosdo seu estado (ou país, etc). É verdade que você não precisa cursar umafaculdade de Direito para ser um advogado. Mas precisa passar no exame. Então,tecnicamente, se por algum milagre você estudou sozinho para passar, sim – vocêpode ser um advogado. Mas a maioria dos escritórios de advocacia quer contratarum advogado com diploma. Isso quer dizer, para eles, que você trilhou todos oscaminhos de base e conhece o básico de tudo. Para sua sorte, você não precisade um diploma de arte para ser um artista de sucesso. Mas você deve desenvolversuas habilidades artísticas para se tornar uma opção válida aos olhos dosleitores e, mais importante, dos editores.

Depois de ler a Parte Dois, vocêsabe que é provavelmente necessário começar de baixo e ir construindo seucaminho até o topo. Também é provavelmente uma boa idéia cometer vários errosartísticos às custas dos editores menores. Pense neles como a Escola deGladiadores: eles te deixarão pronto para aquela grande batalha no Coliseu. Então, vamos fazer com que você sejapublicado.

A primeira coisa que você precisafazer é avaliar o seu nível de talento. Onde você se encaixa na indústriaatual? Você precisa olhar para o seu nível de talento realisticamente pararesponder essa questão. Almejar alto não é ruim, mas se o seu ego não consegueaceitar rejeição, é melhor para você começar com uma editora que produza livrose revistas que se encaixem na sua habilidade atual. Lembre-se, pense nisso comoum campo de treinamento. Você talvez até receba propostas de trabalhar em“spec”, que é uma abreviação para “especulação”. Vamos falar disso daqui apouco. Mas agora digamos que você avaliou suas habilidades e acredita que umaeditora chamada Dreadful Comics consideraria contratar você.

O que a Dreadful Comics publica?Esperamos que não seja uma companhia que publica apenas um título. Se for, issoprovavelmente significa que eles estão publicando independentemente. Se foresse o caso, o que significa que provavelmente é apenas um escritor e umartista (ou um escritor/artista) publicando o seu próprio gibi, elesdificilmente terão verba para pagar para você desenhar uma revista para eles.Mesmo se você topar desenhar uma revista para eles de graça, provavelmente elesnão estarão interessados em correr atrás de todo o trabalho necessário parafazer os seus sonhos virarem realidade. Então, você tem de encontrar umaeditora de quadrinhos que tenha pelo menos alguns títulos em catálogo.

Imagine que essa editora se chamaCapital Comics. Eles publicam pelo menos 5 títulos por mês. Alguns são apenasminisséries, mas eles têm alguns títulos correntes, e precisarão encontrarnovos artistas para eles, acredite em mim. Pequenas editoras sempre precisam de novostalentos porque muitos de seus artistas melhoram e seguem atrás de um trabalhomais lucrativo. Ou, em alguns casos, eles contratam um artista que não consegueentregar suas páginas a tempo. Perder prazos causa um efeito dominó que custadinheiro às editoras, porque os distribuidores também têm prazos para a entregadas revistas. Multas e outros custos levarão uma editora pequena (ou até umagrande) à falência. Então, você sempre encontrará oportunidades em uma pequenaeditora. Talvez não em absolutamente todas, mas se você avaliou bem o seutalento, você estará no caminho certo para uma carreira nos quadrinhos. Então,agora você encontrou uma editora: precisará desenhar algumas páginas deamostra. Eu sugiro escolher um título do catálogo deles que você consegue seenxergar desenhando e bolar uma história curta, de 5 páginas mais ou menos, queincorpore os personagens daquela revista. Não consegue pensar numa história? Vamoslá, tente! Tudo bem, por alguma razão, mesmo que você seja criativo osuficiente para desenhar quadrinhos, decidiu que não consegue escrever...beleza. Faça o seguinte: encontre um roteiro de cinco (ou seis, ou oito, poraí) páginas com, digamos, o Batman ou algum outro personagem, e adapte ahistória para o personagem deles. Suas amostras não precisam estar letreiradas,mas precisam parecer que contam uma história.

Agora, já que você estudou essemeio e está familiarizado com layoutsde páginas de quadrinhos, já sabe que quer mostrar variedade nelas. Mostrepessoas “normais” nas suas páginas, não só super-heróis ou a linda detetive;isso é muito importante. Talvez você não precise de mais do que um quadrinhomostrando alguns passantes reagindo a uma ação ou situação que você estádesenhando. Mas mostre para o editor que você pode desenhar todo tipo de gentee de coisas. Você quer mostrar o exterior de um prédio (ou prédios) e ointerior de um escritório ou sala onde a história se passa (não precisa meinterpretar literalmente: se sua história se passa num navio, você vai querermostrar o exterior do navio na água, e suas cabines, etc). Mostre variedade.Desenhar só os heróis musculosos não será bom para suas amostras. Mostre omáximo que a história permitir e que suas habilidades agüentarem.

Talvez você tenha centenas dedesenhos que quer submeter, (em pessoa, por correio ou e-mail) mas não façaisso. Exagero nunca é bom. Inevitavelmente, se você tem centenas de desenhos oupáginas de amostras isso significa que eles variam em termos de qualidade. Vocêsó quer mostrar o seu melhor trabalho. E você não quer mostrar tanto assim,porque quanto mais enviar, mais chances eles terão de ver algo que não gostem.Deixe-os querendo mais. Pra ser sincero, se desenhar 5 boas páginas, é tudo deque você precisa. Talvez colocar uma suposta capa e fechar em 6 páginas, masisso deve bastar. Se quiserem ver mais, isso será um bom sinal. Peça-lhes umroteiro-teste. Significa que você está estabelecendo comunicação.

Reiterando, você nunca precisamostrar mais do que 5 a10 páginas para um editor ou artista em uma convenção. Ninguém quer realmentever mais do que isso. Já é o suficiente para um editor avaliar seu talento e tepassar um trabalho.

E sobre incluir trabalhos que nãosejam páginas de quadrinhos? Bem, pensemos sobre isso por um momento. O queexatamente eles estarão contratando você para fazer? Desenhar personagens posandosem cenário? Retratos? Não. Eles te contratarão para fazer páginas dequadrinhos. Então porque vão querer ver desenhos que poderiam fazer parte de umsketch book? Não vão, então não desperdice o tempo deles. Editores são espertoso bastante para saber que, se você consegue desenhar uma página de quadrinhos,consegue produzir uma única imagem para uma capa.

Com as suas páginas de quadrinhosprontas para serem mostradas, faça cópias boas e limpas delas ou as escaneie.Mande-as por e-mail ou por correio para o editor para quem você desejatrabalhar. Nunca enviem originais. Se suas páginas forem abrangentes e vocêconseguir bolar um herói genérico para preencher sua história, você poderáenviá-las para vários editores de uma só vez. Excelente! Mantenha o e-mail deintrodução curto e gentil. Apresente-se e vá direto ao ponto. Sem contar a históriada sua vida, sem dizer nada do tipo “Eu quero tanto fazer isso!”, não. Sejaprofissional e deixe o seu trabalho falar por você. Se você estiver enviandosuas amostras por e-mail (imaginando que você já tenha conseguido o endereçoeletrônico do editor, obviamente), certifique-se de que os arquivos não estejammuito grandes. Eu sei que você tem orgulho do seu trabalho, mas não mandearquivos gigantes. Nada maior do que 150 DPI é necessário (na verdade, 72 DPIjá deve ser suficiente). Na visualização em 100%, as páginas não precisarão demuita rolagem para serem vistas por inteiro.

Menos é mais quando se trata deamostras de arte.

No próximo post, discutiremos a opção de publicarindependentemente e de trabalhar com especulação. No seguinte, falaremos sobre o quefazer quando um editor concorda em te passar trabalho.

Entrando no mundo dos quadrinhos - Parte 2

2011-12-05T15:22:00.001-02:00

O texto foca mais nos quadrinhos americanos, mas com certeza tem várias dicas interessantes para desenhistas de mangá e artistas em geral.

Veja as outras partes do texto aqui:
Parte 1
Parte 3
Parte 4
Parte 5

Entrando no mundo dos Quadrinhos

Parte Dois: Passos de Bebê

Vamos te conseguir um trabalho.Digamos que você não tem oportunidade de ir até Nova Iorque (ou onde quer queseja que a editora de revistas ou livros em quadrinhos está localizada) – comovocê pode ser contratado? Amostras. Você precisa de ótimas amostras para sernotado.

Todo editor de quadrinhos tem umaboa gama de talento ao seu dispor. Se um artista não consegue cumprir seusprazos e eles precisam achar um substituto, ou se uma nova revista estáprecisando de um desenhista, eles têm uma agenda de telefones cheia de númerospara chamar. Idealmente, você quer estar nessa lista. Como fazer isso? Você temde impressioná-los. Tem de impressioná-los a ponto de eles quererem ligar paravocê ao invés de outro artista em atividade. O problema é: você não tem aexperiência que esses caras têm. Isso deixa as coisas um tanto difíceis...

Então vamos rebobinar um pouco.Talvez começar com a Marvel, DC, Dark Horse ou Image não seja a primeira coisaa se fazer. Você precisa de amostras e as suas amostras só melhoram a medidaque você cria mais e mais delas. Todos nós temos pelo menos umas cem páginas“ruins” dentro de nós. Pois é, elas estão lá e só há um jeito de fazê-las sair.E não é desenhando mais pin-ups daPoderosa. Você precisa fazer páginas de quadrinhos. Elas forçam você a desenharcoisas com as quais não está acostumado. Elas te ajudam a ver as coisas atravésde uma perspectiva diferente e a explorar e expandir seu talento de formas quedesenhar uma “gostosona” ou “Wolverine flexionando seus músculos e mostrandosuas garras” não ajudará. Desenhar uma página com um quartel general secretoultra-tecnológico num quadrinho e Alfred, o mordomo, numa cozinha normal nopainel seguinte... As primeiras parecerão OK num primeiro olhar, mas as maioreschances são de que elas estarão “ruins”. Não se desespere. A prática de fatofaz a perfeição. Você precisa começar de baixo e ir construindo. Talvez vocêtenha de começar bem de baixo. Mas não importa quão pequeno o serviço – vocêestará dando um passo na direção certa. Esse é o elemento central em questão. Passos debebê, um levando ao outro, um serviço pequeno depois do outro.

Só o seu trabalho o levará paraum próximo nível. Se ele não o levar adiante ou não lhe conseguir um serviçomelhor, isso significa que você deve se esforçar mais. Aqui vai o meu conselhopara você: quando você está começando, pegue esse serviço terrível, não importao quanto ele pague. Se ele te paga 5 dólares, trate-o como se pagasse 5000!Porque, no final desse trabalho, você pode usá-lo para conseguir um que paguemelhor. Você terá em suas mãos amostras que, esperamos, poderão impressionar umeditor de uma companhia maior. Você terá experiência de trabalho. Você saberá oquanto demora para terminar uma página. Você aprenderá tantas lições com essetrabalho ruim, que você poderia ter pago por elas.

Dependendo da suas curva deaprendizado, talvez você precise de vários desses trabalhos. Talvez tenha dedesenhar, arte-finalizar ou colorir várias edições antes de conseguir mudarpara uma companhia maior. Mas aqui está o segredo, quando você estiver pronto,estará PRONTO. Se suas amostras não estiverem à altura, você saberá, porque nãoserá contratado. Por isso é que eu disse: sempre faça seu melhor trabalho, emtodas as chances que você tiver.

Fazer apenas o suficiente paraterminar o trabalho não te ajudará em longo prazo. Forçar a si mesmo atrabalhar mais duro faz você crescer e melhorar. Eu conheci um artista queNUNCA fazia seu melhor trabalho. Ele estava sempre esperando alguém pagar a eleo quanto ele achava que merecia. Até hoje, ele ainda não fez seu melhortrabalho. Está dentro dele, em algum lugar, esperando... Mas aqui está a graçadisso: que editor pagará a você uma quantia astronômica de dinheiro por algo deque eles nunca viram evidência? Onde está esse seu “melhor trabalho”? Nãoexiste, porque você nunca foi pago o suficiente para desenhá-lo... Mas umeditor não pode adivinhar do que você é capaz e assim pagá-lo de acordo comisso. Eles têm que ver alguns dos seus melhores trabalhos. Se seu trabalho forexcelente, seu pagamento refletirá isso. Mas até você entregar trabalhosexcelentes, você será pago com base no que está entregando no momento. Aquelevelho ditado “você é tão bom quanto seu último trabalho” é bastante verdadeiro.E também é muito importante que, a cada trabalho que realizar, você mostra melhora.

Então, sempre desenhe usando omelhor das suas habilidades. Da próximavez que desenhar algo, terá essa experiência ao seu lado. Será mais fácil. E, éclaro, você terá ótimas amostras para mostrar por aí, o que levará a coisascada vez maiores e melhores!

Então, como você entra nasGrandes Três (ou Quatro)? Terá de beijar vários sapos no caminho. E essesbeijos deverão estar transbordando de amor! Não poderá fingir. Ou então, nãoespere nenhuma mágica.

No próximo post, discutireicomo apresentar suas amostras e em que quantidade. Até lá!

Exposição "Pinturas" de Célio Kenji Fujisawa

2011-11-30T13:45:00.001-02:00

O artista Célio Kenji Fujisawa, aluno do curso de Pintura da Ânima Academia de Arte, organizou, com o apoio da escola, sua exposição intitulada "Pinturas". A abertura foi realizada no último dia 23, e abaixo você pode ver várias fotos tiradas no dia!

Clique na imagem acima para saber o local da exposição e até quando ficará aberta!

Não perca!

O artista

Célio e o professor e artista plástico Marcos Garcia

O cardápio do dia da abertura!

Célio e o pessoal da Ânima

Entrando no mundo dos quadrinhos

2011-11-28T14:28:00.001-02:00

Entrando no Mundo dosQuadrinhos

Como a maioria dos artistas dequadrinhos (ou artistas profissionais de qualquer tipo), eu ouço váriasperguntas do tipo “Como consigo entrar nesse mundo?”. Não importa o quãotalentoso você é, as respostas são mais ou menos universais.

Vou escrever uma série de diáriosque tratarão dessa questão passo a passo. Desde tomar a decisão crucial defazer disso uma carreira, até conseguir manter um ritmo constante de trabalho.

Parte Um: Desenvolvendo seu crítico interior

Você já desenha há algum tempo etodos os seus amigos e família acreditam que você poderia “viver disso”. Efinalmente você decidiu que ganhar dinheiro desenhando vai te deixar feliz epagar suas contas. OK, e agora? Como você consegue seu primeiro trabalho e põefogo no mundo?

A primeira coisa que você devefazer é examinar criticamente seu próprio trabalho. Esse é o passo maisimportante. Sua arte está pronta para ser publicada ou você ainda precisatrabalhá-la bastante antes disso? Bem, contrariamente ao seu impulso – queseria conseguir a opinião de um profissional ou do seu melhor amigo/maior fã –você deve olhar para o seu interior. Você na verdade sabe a resposta. Eu espero que saiba. Quer dizer,você quer fazer disso uma carreira, certo? Então, idealmente, você praticoudesenho por horas a fio. Talvez tenha freqüentado uma escola de arte. Independentede como você conseguiu suas habilidades no desenho, espero que você tenha algumnível de bom gosto para arte.

O que você deve fazer: desenheCINCO páginas de quadrinhos. Se não conseguir um roteiro, use sua imaginação ouredesenhe uma parte de alguma história antiga da qual você se lembre. Ninguémirá contratá-lo baseado no quão bem você desenha uma capa ou pin-up. Vocêprecisa desenhar páginas de amostra. Talvez você não saiba quais ferramentasusar? Oh-oh... Adivinhe? Vocêprecisa desenhar mais. Porque assim você descobrirá quais funcionam melhor paravocê. Perguntar para seu artista favorito qual lápis ou caneta ele usa não é aresposta. Porque não é o lápis, é a pessoa por trás dele que o faz funcionar.Você precisa desenvolver seu próprio estilo e isso quer dizer que você precisacrescer como artista e experimentar ferramentas até que seu desenho saia dojeito com o qual você, pessoalmente, esteja satisfeito.

Já terminou? Òtimo. Agora, pegue uma revista em quadrinhos típica. Nãouma desenhada pelo Alex Ross, Mike Mignola ou Sean Murphy. E nem uma que sejadesenhada por alguém famoso por ser ruim. Não. Pegue uma mais normal, oualgumas delas. Títulos regulares da Marvel ou da DC que vendam decentemente. Aí está sua referência. Sua respostaestá bem aí. Olhe para a revista na sua frente e se pergunte: “Euconsigo desenhar tão bem quanto esse artista?”. Você pode desenhar tudo que eleou ela desenhou com a mesma competência? Não necessariamente no mesmo estilo,mas com o mesmo nível de profissionalismo? Essa é a solução. Você sabe desenhar carros direito? Podedesenhar um cachorro, um gato ou um elefante? E que tal um telefone? Porque osroteiros que você conseguir exigirão que você desenhe de tudo. Seu nível dedesenho não é medido pela sua habilidade de fazer o Batman pendurado numagárgula sobre Gotham City.

Então, agora você já se perguntoua difícil questão. Se você respondeu “sim”, está pronto para avançar para aParte Dois. Se você respondeu “não” (o que requere bastante maturidade da suaparte), terá que se perguntar: Por quê? Quais habilidades estão lhe faltando? É a narrativa? È anatomia? Talvezvocê só tenha desenhado figures humanas e nunca um cenário. Talvez só façafiguras humanas olhando para a frente.

Basicamente você deve atentarpara os seus pontos fracos. “Mas como?”, você pode perguntar. Boa notícia: háum livro para você. É chamado “How toDraw Comics the Marvel Way” (Como Desenhar Quadrinhos no Estilo Marvel).“Ah nããããooo”, você talvez diga. “Esse livro parece ter sido feito há mais de trintaanos, ninguém mais desenha assim! Eu quero desenhar como o Jim Lee ou o JeffreyScott Campbell!”

Tudo o que você precisa saberestá dentro daquelas páginas. Tudo. Se você puder dominar aquele livro (epoucos podem), você se tornará um artista excelente. Não se preocupe, você nãoterminará desenhando como John Buscema. Você será influenciado por ele, masapenas de uma maneira boa. Seu estilo aparecerá (a não ser que vocêconscientemente tente desenhar como ele). É como as pessoas que dizem que nãoquerer levantar peso porque não querem que seus braços fiquem muito grandes...Ah, se fosse tão fácil. Não, estudar aquele livro te dará uma base muito fortepara se tornar um bom artista de quadrinhos. Goste você de mangá ou de arte enarrativa abstratas do tipo do Ted McKeever, não importa. Você não precisa deum livro chique de perspectiva ou de desenho de figura humana.

E também não machuca freqüentaraulas de modelo vivo. Mesmo que o seu trabalho seja cartunizado, desenhar demodelos vivos melhorará sua arte de um jeito que você nunca imaginou. Todos osmelhores cartunistas praticaram com modelos vivos. Não se engane pensando ocontrário. Aqui está o truque: não se preocupe se você for terrível no começo.E não vá a essas aulas para ficar na sua zona de conforto. Tente seriamentedesenhar a figura humana usando tons de cinza. Usando sombras. Desenhar afigura como um cartum não o ajudará a entender melhor a forma. Desenhar o quevocê vê, realisticamente, ajudará. Então, pegue o que você aprender com isso eaplique no seu estilo cartunizado depois. Você será surpreendido peloresultado. Aliás, já vi muitos “artistas profissionais” intimidados demais paratentar isso. É uma vergonha.Eles usam qualquer desculpa. É patético e eles ficam se perguntando porque suas habilidades ficam estagnadas. Não seja covarde e se apóie em coisasque já sabe. Se quiser melhorar, ouse errar. A cada vez que você tentar, osresultados melhorarão. Eu ainda tenho muito o que melhorar como artista eresisti aos modelos vivos por muito tempo. Finalmente, resolvi dar esse salto! E adivinhe – eu fui péssimo. Foi embaraçoso.Mas a cada vez eu melhorei um pouco, e ainda estou melhorando. Nadaajudou mais o meu desenho.

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Confira os próximos posts do blog para ver a continuação do texto!

Workshop de Escultura e Modelagem com Lu Bertin

2011-11-21T10:56:00.001-02:00

No último sábado 19/11, a Ânima promoveu um workshop com o artista Lu Bertin, escultor e modelador de Rio Claro.

Na aula os alunos aprenderam sobre os diferentes tipos de massa, ferramentas, mercado de trabalho e também sobre o processo de criar um personagem. Quem participou do workshop teve até a oportunidade de pôr, literalmente, a mão na massa e provar o gostinho dessa arte tão delicada e apaixonante.

Quem perdeu pode se arrepender, mas fique de olho, pois em 2012 a Ânima vai abrir turmas para quem deseja entrar mesmo no mundo da modelagem e da escultura. Se você é um desses interessados, entre em contato com a secretaria da escola e já garanta sua vaga.

Confira as fotos do workshop.

Para conferir o trabalho e saber mais sobre Lu Bertin acesse o site www.bertinestudio.com.br/

VIII Exposição da Ânima Academia de Arte - Walt Disney 110 Anos

2011-11-14T14:10:00.001-02:00

Walter Elias Disney nasceu em Chicago em 5 de dezembro de 1901 e neste ano completaria 110 anos de vida. Disney foi produtor cinematográfico, cineasta, diretor, roteirista, dublador, animador, empreendedor, filantropo e co-fundador da The Walt Disney Company. Ele tornou-se conhecido nas décadas de 1920 e 1930 através de seus personagens de desenho animado, como o Mickey e o Pato Donald. Disney também idealizou o parque temático "Disneylandia", que conta hoje com dois parques, um na Califórnia e outro na Flórida, destino de adultos e crianças de todo o mundo.

A mágica de Disney ultrapassou gerações, espalhou sonhos e fantasia no coração de pessoas de todas as faixas etárias e por isso foi o homenageado da exposição anual da Ânima Academia de Arte em 2011.

O desenho do prof. Emerson

Helena, a filha do prof. Emerson

Prof. Marcelo e Raquel "posando" pra foto

O pessoal curtindo os desenhos

O prof. Emerson, sempre sorridente

Branca de Neve e Cinderela curtindo uma praia

Prof. Marcelo, Raquel e o prof. Emerson

O buffet no mezanino

Os pais também aproveitaram a exposição

A Barbie Ariel da profª. Mariane

A Barbie Bela da aluna Isabela

A Barbie Bela Adormecida da aluna Grazziella

Felipe e sua Madame Mim

Rafael e seu coelho Oswald

Giovanni fez uma sátira com Robin Hood

Nydian misturou Walt Disney e Dragon Ball

Stela ao lado de sua Bela Adormecida

Luana e sua Rapunzel

Guilherme homenageou Disney e Tezuka

Lucas e sua Branca de Neve

Fábio fez a Rainha Minnie

A profª. Gisela e seus alunos Rafael, Fábio e Lucas

Bruna desenhou Pluto e Mickey

Gabriel fez Os Aristogatas

Lisandra homenageou os personagens clássicos de Disney

Leila e sua versão de A Dama e o Vagabundo

Caio e seu "Cinderella Shoes"

Carlos usou a fantasia para mostrar inclusão social

Larissa e Bianca

Larissa fez uma ilustração do jogo "Kingdom Hearts"

Ana Carolina usou lápis de cor para fazer "Oliver e sua Turma"

Carolina e Ana Carolina

Carolina e sua visão de O Rei Leão

Vânia e "Fantasia"

Gabriela fez o Corcunda de Notre Dame

Esther com seu desenho: "Disneyland"

Maria Amélia trabalhou com aguada de nanquim para criar "Fantasia"

Ana Priscila e sua versão das princesas na praia

Luis Henrique e sua versão da Branca de Neve

Jessé com seu retrato de Walt Disney e seus personagens

Fernando e um grafite de A Pequena Sereia

Sem comentários...

Juliana trazendo a família para a exposição

Maria José usou aquarela na sua versão de Mulan

Manuela e "Cinderela"

Thaís e os professores Tiago e Maurílio

Teca com seu retrato de Disney

Miriam trabalhou com pastel seco e markers

Cristiane fez uma escultura de papel para "Peter Pan e Sininho"

Stefanie usou aquarela para fazer "Lilo"

Bruna e sua Pequena Sereia

Gabriel e seu desenho da Alice

Todo mundo se divertindo!

Ana Carolina e a profª. Gisela

Miriam só no refri....

Pastel seco e markers: "Visita ao Neuschwanstein", da Miriam

Gabriela homenageou o Mickey antigo e o novo

Tadeu e seu "Enrolados"

Larissa fez Mulan

Elisa fez Notre Dame

Karolyn e seu Shan Yu em carvão

Lívia desenhou a Meg, do desenho "Hércules"

Turma da Ânima no fim da festa!

Entrevista com Profissionais de Quadrinhos

2011-11-07T14:51:00.001-02:00

A entrevista a seguir foi conduzida pelo professor Emerson Penerari para o curso de Educação Artística da UNAR (Universidade de Araras). No próximo parágrafo, ele explica quem são os entrevistados e, a seguir, você confere a entrevista na íntegra.

Entrevista com Profissionais de Quadrinhos

A entrevista aborda como é o mercado dos quadrinhos e a profissão em geral, como as pessoas são atraídas para este trabalho e o funcionamento das mentes de quem vive com isso e qual a funcionalidade por trás do entretenimento. Maurilio DNA desenha no estilo Mangá e é professor de desenho na Ânima Academia de Arte (www.anima.art.br). Marcelo Ferreira desenha quadrinhos para o mercado americano, e também é professor e sócio na Ânima. Maurício Muniz é um editor de renome no mercado brasileiro e responsável pelo lançamento de várias revistas americanas em nosso país. Acompanhe um pouco das opiniões deles:

1 - Fale um pouco de seu ramo profissional e o que você já fez de relevante na área.

Maurílio DNA: Tenho atuado mais como ilustrador. Sou formado em publicidade, um dos mercados mais comuns para quem trabalha com ilustração, contudo, não exerço desde que me formei, quando passei a lecionar desenho, mangá para ser mais preciso. Como quadrinista, ou cartunista, como prefiro chamar, já publiquei em uma revista independente e, atualmente, faço parte de um projeto editorial que, até o momento, é inédito no mercado editorial de histórias em quadrinhos no Brasil, apesar de ser o predominante em países como o Japão, sua origem.

Marcelo Ferreira: Acho que os quadrinhos podem ser considerados como uma forma de arte, uma mídia, ou ainda uma forma de expressão, um jeito pra se contar histórias.

É claro que esse "jeito pra se contar histórias" se transformou em uma expressão cultural e em indústria mesmo, ao redor do mundo. E se a gente falar em indústria, aí temos que reduzir pra EUA e Japão. E hoje os quadrinhos estão desfrutando de uma nova popularidade pelo mundo. O que eu fiz de mais relevante até hoje na indústria (e que estou fazendo ainda hoje) é o trabalho como desenhista principal do título "Richie Rich" (Riquinho), da editora Ape Comics, para o mercado americano.

Maurício Muniz: O trabalho de edição de histórias em quadrinhos divide-se em:

- Para materiais internacionais: escolha de material, contato com licenciantes, editoras e autores, recebimento de material de reprodução e coordenação e revisão das fases de produção: edição, letreiramento, textos editoriais, aprovação da fase de impressão, produção de release de imprensa sobre o material e criação de campanhas para lançamento.

- Para materiais nacionais: escolha, contato com autores, sugestões de conteúdo, aprovação de material, coordenação de produção, textos editoriais, aprovação da fase de impressão, produção de release de imprensa sobre o material e criação de campanhas para lançamento.

- Na área, já escrevi para revistas como WIZARD, HERÓI, MUNDO DOS SUPER-HERÓIS e SCI-FI NEWS, editei títulos como SIN CITY, SANDMAN, PREACHER, HELLBLAZER, STARMAN, STAR WARS, JUIZ DREDD e MONSTRO DO PÂNTANO e trouxe ao Brasil - pela primeira vez - títulos como A LIGA EXTRAORDINÁRIA, O CORVO, SLÁINE: O DEUS GUERREIRO, AUTHORITY, PLANETARY, TOM STRONG, TOP TEN, A BALADA DE HALO JONES, FRACASSO DE PÚBLICO, FILÓSOFOS EM AÇÃO, MUNDO FANTASMA e COMBATE INGLÓRIO.

2- Como você acabou entrando no ramo de quadrinhos? É preciso ser um fã para se trabalhar com isso?

Maurílio DNA: Acredito que tudo começa sendo fã de quadrinhos. No geral, o artista sempre inicia copiando seus ídolos, depois atende à necessidade de criar algo próprio e desenvolver seu talento, iniciando aulas ou aprendendo sozinho como auto-didata. Comigo não foi diferente. Se o artista for mais atraido por outras áreas, como ilustração literária ou animação, vai acabar seguindo essas carreiras e não a de artista de HQ. Assim, ser fã influencia muito a decisão de qual mercado deseja atuar. Deseja porque nem sempre atuamos na área que gostaríamos.

Marcelo Ferreira: Acabei entrando depois de muito trabalho e insistência. Sempre quis o mercado de fora, especialmente o americano, porque sempre percebi que as iniciativas de se trabalhar com quadrinhos aqui eram sempre muito aventureiras, sempre envolvendo gente não muito profissional. Resumindo, o Brasil não possui indústria de quadrinhos, então sempre quis trabalhar com os profissionais.

No começo de carreira (entre 1999 e 2001), ainda muito inexperiente, tentei, sem sucesso, ter um agenciamento. Depois me dediquei por anos à ilustração somente. Em 2006 voltei a tentar um agenciamento pro mercado americano e consegui. Mas aí não consegui encaixe na indústria por todo tempo que fiquei com meu agente, entre 2006 e 2010, que foi quando, sozinho, consegui meu primeiro trabalho com a Ape Comics indo até a convenção anual New York Comic Con, em Nova Iorque.

Acho que não precisa ser fã de HQs para se trabalhar com elas. Às vezes isso pode até atrapalhar, na medida em que você pode ficar muito ansioso por pensar que você pode acabar trabalhando junto com seus ídolos, ou desenhar aquele personagem que você lia na infância, ou coisa do tipo. Você tem é que ser muito profissional e estar muito bem preparado para ser um desenhista de quadrinhos, que é muito diferente de ser um desenhista que ilustra ou faz qualquer outro tipo de trabalho. Desenhar ou ilustrar bem, de maneira alguma implica que você fará quadrinhos bem. Tem que se dedicar muito e estudar muito. E praticar muito.

Maurício Muniz: Comecei no ramo como gerente da loja de quadrinhos Devir Livraria, o que me levou a contato com editoras para as quais comecei a escrever sobre HQs, depois a traduzir HQs e, finalmente, a editar revistas em quadrinhos. Com o tempo, prestei serviços para editoras como Globo, Abril, Escala, Metal Pesado, Atitude, Europa, Pandora Books e Gal Editora.

Acho que ser fã de quadrinhos é uma vantagem nessa área. Seja pela visão histórica que permite analisar melhor analisar materiais, seja pelo conhecimento sobre personagens e cronologia, que o permitirá trabalhar melhor com alguns títulos. Não é necessário ser fã, mas ajuda muito. Hoje, no mercado nacional, 90% dos editores em atividade começaram como fãs.

3- E sobre o mercado de quadrinhos atualmente? É um bom campo para se profissionalizar?

Maurílio DNA: Existem quadrinhos sendo vendidos, e existem pessoas comprando, logo existe um mercado. E não é pequeno se formos ver a quantidade de títulos e as vendas, mas comparado com outros países, é um mercado modesto, iniciante. Contudo, a grande maioria do material DE QUALIDADE nas bancas e livrarias ainda é estrangeiro. Isso se deve ao baixo custo que envolve trazer e traduzir um título do exterior, aliado ao fato de haver uma pré-demanda, já se se trata quase sempre de publicações já consagradas

e com retorno praticamente garantido. Logo, o que falta no mercado brasileiro é uma falta de crédito no produto nacional por parte dos investidores e das editoras, que são norteadas pelo pensamento do gastar pouco, lucrar muito e rápido. Isso está mudando ao poucos com os editais de fomento de produção cultural, com subsídios governamentais. No entanto, isso restringe àspublicações de quadrinhos ao formato de livro, aprisionando as obras ás livrarias e lojas especializadas. Num país sem hábito de leitura difundido, o resultado é quase insignificante. É um modelo de publicação parecido com o utilizado na Europa, mas que já foi explorado aqui nos anos 1980, sem muito sucesso.

Para o artista se profissionalizar em um meio tão inóspito, se não hostil, ele tem que se dirigir ao nicho mais rentável do mercado: o infantil, mas a hegemonia de Mauricio de Souza torna impossível que esse artista seja um destaque, ou impeça-o de ser absorvido pela máquina da MS Produções.

Aliado a isso, temos um preconceito forte do grande público, que acredita que quadrinhos é entretenimento exclusivamente infantil, ou para nerds e desocupados. Assim, perdemos uma gigantesca fatia de mercado num ciclo vicioso: os jovens e adultos "normais" não se interessam por não haver (ou não terem conhecimento de) material publicado com os assuntos que os interesse, e materiais desse tipo não são produzidos por que o público a qual ele seria dirigido, teoricamente, perdeu o interesse em procura-lo e lê-lo. Outra saída para o aspirante a profissional é tentar atender demandas de quadrinhos institucionais, utilizados em empresas, no Estado e algumas vezes na educação para comunicação institucional e ideológica.

São clientes que chegam a pagar bem, mas o quadrinista está sujeito a uma série de restrições imposta por eles, muitas vezes sub-utilizando seu potencial criativo. A última trilha da profissionalização, mas não menos importante, é o mercado estrangeiro. Não é de hoje que editoras Estadounidenses e européias publicam material de artistas brasileiros, considerado talentosos e profissionais. As japonesas ainda não deram tantas chances, porvavelmente por causa do choque cultutural, mas de uns anos para cá elas têm feito concursos de material estrangeiro. Além disso, recentemente editores coreanos sondaram o mercado brasileiro à caça de novos talentos. É uma trilha que requer muita dedicação, prática, perseverança e paciência, mas com a conectividade que a internet proporciona, encurtando distâncias e ajudando com as línguas estrangeiras, graças a seus tradutores online, acredito que seja a que mais vale a pena tentar.

Marcelo Ferreira: Acho que sim. Como eu disse, é um campo em ascensão, que está cada vez mais profissionalizado, ou seja, o nível geral de quem está trabalhando com isso está cada vez melhor (o que pode implicar um dificuldade maior para se entrar, na medida que você tem que estar muito mais bem preparado). A indústria americana geralmente paga bem (editoras médias e grandes), e no Brasil tem cada vez mais iniciativas de publicações, gente mais séria do que antigamente, além de incentivos com leis para cultura, que facilitam pra quem quer publicar seu próprio material e a princípio não tem dinheiro pra isso. E além de tudo é muito divertido trabalhar com quadrinhos. Muito trabalhoso, mas muito divertido.

Maurício Muniz: O mercado mudou muito nos últimos 30 anos. As HQs de bancas, que nos 1980 e 1990 vendiam até 100.000 exemplares, hoje em muitos casos ficam na casam dos 5.000 a 10.000 exemplares vendidos. Porém, as HQs migraram com grande força para as livrarias, onde atraem hoje um público mais maduro e de mais poder aquisitivo com álbuns que trazem histórias completas. Sobre profissionalizar-se: é um bom campo para os amantes de quadrinhos e livros, mas dificilmente é um campo que trará fortuna, principalmente no Brasil. Portanto, o "amor à arte" é importante para quem planeja trabalhar na área.

4- O que você acha da arte contemporânea em geral?

Maurílio DNA: A arte está com um público muito restrito. Não por culpa dos artistas, que vivem em busca de novas estéticas, linguagens e idéias, lutando contra o paradigma de que tudo o que podia já foi criado. O problema reside na educação da grande maioria da população, que deixou de aprender a apreciar, a avaliar e a sentir uma obra em prol de um desenvolvimento de capacidades práticas voltadas ao dia a dia. As pessoas "emburreceram" artisticamente e se distanciaram da arte no geral.

Marcelo Ferreira: Acho ruim. Não entendo a arte contemporânea, do tipo que se vê nas Bienais de São Paulo. E, na minha opinião, se eu não a entendo, ela não serve de nada.

Não é plástica, não a entendo, então, ela se presta a quê? Acho que a arte contemporânea é um refúgio de gente sem talento que acha que pode ser artista fazendo esse tipo de coisa.

A arte das HQs hoje, no geral, é de nível muito melhor que há 10 anos. Por sua vez, a arte de 10 anos atrás era melhor do que a de 10 anos antes, e assim vai. Se você estudar a curva de talento presente nas HQs desde o final do século XIX, você vai ver que no geral os quadrinhos evoluem artisticamente como um todo, independente se estamos falando de EUA, Japão, Europa ou Brasil. Claro que sempre tem um artista expoente, muito melhor que a média de seu tempo e etc. que surge vez em quando, mas no geral é sempre uma caminhada pra frente.

Hoje a gente tem uma porção de estilos e técnicas sendo aceitas e usadas. Muitos artistas bons de verdade fazendo HQs, o que é ótimo.

Maurício Muniz: Por um lado, nunca se produziu tantas obras interessantes quanto hoje, em cinema, TV, literatura, quadrinhos etc. Por outro, muitos dos produtores de cultura dão origem a obras medíocres e que não exigem muito do público, que hoje - em sua maior parte - não gosta de obras complexas demais. Por isso, muito da cultura pop usa o "mínimo denominador" comum para criar obras de fácil digestão pelo grande público e, geralmente, de baixa qualidade.

5- Como você vê essa influência que os quadrinhos exercem em outros tipos de arte, como cinema, literatura, escultura e música?

Maurílio DNA: Isso se deve à constante busca do novo, citada na resposta anterior, e presente em todas as expressões artísticas. É, na verdade, um ciclo. Por exemplo, os mangás usam de cenáriso e planos de fundo fortemente inspirados no expressionismo alemão do início do século XX, em busca da capacidade de passar, com imagens, uma sensação ou sentimento. Décadas depois, presenciei uma exposiçãode um pintor japonês que, assim como Roy Lichtenstein fez nos EUA com sua POP ART, trouxe a estética dos quadrinhos, mas especificamente dos japoneses, para suas obras. Outro exemplo: as HQs sempre beberam na fonte do cinema, usando muito da linguagem visual como movimentos de câmera e enquadramentos. Agora, o contrario acontece, com o crescente número de adaptações de HQs para o cinema.

Marcelo Ferreira: Acho excelente. Acho que todos os tipos de arte tem que "conversar" entre si, trocar influências uns dos outros. E acho especialmente legal quando as outras formas de arte tiram coisas das HQs, porque isso é um tipo de reconhecimento, já que os quadrinhos muitas vezes e ainda hoje, apesar de toda a popularização e reconhecimento, podem ser vistos como uma arte mais marginal, apesar de serem a nona arte.

Maurício Muniz: No passado, quando uma revista em quadrinhos vendia centenas de milhares de exemplares - ou, em alguns casos, milhões de exemplares -, os quadrinhos atingiam um grande público que, com o tempo, tornou-se realizador de cultura. Por isso, como tiveram o contato e a influência das HQs em sua formação, é natural que levem seus conceitos, fórmulas e personagens para a arte que produzem. Acho a influência positiva... Mas, hoje, todas as artes recebem um tanto de influência de outros meios. Da mesma forma, os quadrinhos vêm cada vez mais recebendo influências da literatura, do cinema, da TV e das artes plásticas em geral.

6- Em vários países os quadrinhos são tratados seriamente e são lidos por pessoas de várias idades e classes sociais. Infelizmente no Brasil sempre houve um certo preconceito com fãs de quadrinhos que já passaram da adolescência. Você acha que isso pode mudar? O que é preciso mudar na própria cultura do brasileiro para que ele encare o quadrinho como arte?

Maurílio DNA: Como respondi anteriormente, isso se deve a um preconceito de que HQs são diversão para crianças, nerds e desocupados. Fora que a carreira de artista de quadrinhos é menosprezada, somos um bando de folgados que passam o dia desenhando, como se isso não fosse trabalho. Botando de lado esse preconceito, e tentando muda-lo, muitas pessoas têm tentado elevar os quadrinhos a outros status, surgindo assim estudos de sua capacidade como ferramenta didática e de comunicação, o que faz surgir o já citado mercado de HQs institucionais. Mas isso é muito limitado.

Ao meu ver, o que falta é uma variedade de publicações que tratem de assuntos variados e que interessem outras faixas de população. Com o tempo, as pessoas começam a conhecer coisas novas e se sentirem atraídas por coisas que não são heróis com super poderes e roupas de couro (ou colants coloridos), cavaleiros e elfos lutando contra Orcs, magos e demônios, nem mesmo bichos antropormofizados ou crianças que nunca crescem e vivem grandes e inocentes aventuras.

Elas passam a se interessar por esportes, carros, mercado financeiro, medicina, veterinária, etc. Se fosse diferente, o mundo seria povoado exclusivamente por artistas de quadrinhos, que seriam desempregados e morreriam ao primeiro resfriado por não haver um farmacêutico pra vender-lhes uma aspirina.

Exageros à parte, meu palpite é que a partir do momento que histórias que tenham algum apelo pra outras faixas da população comecem a ser escritas e desenhadas, o mercado vai sofrer um aquecimento e uma expansão natural.

Contudo, não acredito que seja uma saída para os quadrinhos aspirar se igualar à arte. No meu ponto de vista, quadrinho de arte só interessa a nós quadrinistas que temos uma sensibilidade desenvolvida. Para mim, os quadrinhos devem se igualar ao cinema ou a TV. Entretenimento de massa. Foi assim que os mercados estadunidense e japonês cresceram. Depois de se tornarem grandes, eles puderam experimentar e inovar, características da arte em si. E mais: quando o grande público voltar a apreciar obras de arte da maneira que ela merece, os quadrinhos, assim como o cinema de arte e outros experimentalismos adquiriram naturalmente seu status e seu reconhecimento inato.

Marcelo Ferreira: Acho que pode sim mudar. Mas eu não me iludo achando que isso vai acontecer em poucos anos, porque isso está atrelado a algo muito maior: a Educação no Brasil.

A arte precisa de um povo educado para a apreciar. E o brasileiro, infelizmente, em sua maioria, é um povo mal-educado para apreciar ou entender qualquer tipo de arte. A escola e a casa do brasileiro não o preparam para ser um apreciador de arte. Todo o sistema educacional do País, público ou privado, negligencia o ensino de artes e a cultura em geral. Então fica difícil criar um público consumidor em larga escala, que vai pegar uma HQ na mão e reconhecer aquilo como um produto cultural. Por causa dessa pobreza de formação é que o brasileiro em sua média encara os quadrinhos como um produto de entretenimento infantil, algo menor e sem muita importância. Temos uma (heróica) produção maior de HQs hoje, o que põe o produto mais na vitrine, mas é uma Educação melhor que vai fazer o comprador parar na vitrine e levar pra casa.

Maurício Muniz: Acho que isso já mudou muito. Em parte, porque muitos dos fãs de quadrinhos dos anos 80 e 90 tiveram a sorte de pegar um momento muito especial, onde os quadrinhos começaram a ficar mais adultos e, por isso, esses leitores continuaram a ler os quadrinhos já que as histórias acompanharam a maturidade que atingiram. E hoje, com os quadrinhos chegando às livrarias, um novo público vem sendo atraído para ele e tem descoberto obras maduras e premiadas que já ganharam prêmios importantes da literatura, como o Pulitzer.

O preconceito com as HQs ainda vai durar um bom tempo, mas o cenário já mudou muito e tende a mudar ainda mais. Para melhor, claro.

7- Em suas histórias, você pretende expressar alguma ideologia?

Maurílio DNA: É natural que meus valores pessoais transparecem no meu trabalho, a não ser que seja encomendado e, assim, transmita os valores do meu cliente, como acontece nos quadrinhos institucionais.

Em se tratando de um trabalho completamente meu, pretendo antes de mais nada divertir o publico, assim ele se sentirá atraído pela obra. Meus valores serão transmitidos naturalmente e, eventualmente, posso disseminar uma idéia e plantar uma semente graças à capacidade comunicativa e didática dos quadrinhos.

Não fico necessariamente me prendendo à vontade ou necessidade de passar uma ideologia. Para mim, o quadrinho tem que ser gostoso de ler, interessante e bonito. O resto é apenas complemento.

Marcelo Ferreira: Não, nenhuma. Acho artista ideólogo demais, chato. Quero que minha arte sempre sirva pra entreter, informar, divertir, passar o tempo e deixar a vida mais bonita. Ideologia é na mesa do bar, para poucos.

Maurício Muniz: Não. A não ser a de que, sim, os quadrinhos são obras muito importantes e significativas para o mundo contemporâneo e que a cultura, em suas várias formas, é o caminho para uma vida melhor. Putz, fui pedante agora, não? Hehehe!

8- Como é lidar com o público fã de quadrinhos?

Maurílio DNA: Como artista um dos meus objetivos é inspirar as pessoas assim como meus ídolos me inspiraram. Quando vejo essa reação de admiração me sinto satisfeito. Nem todos os fãs são convenientes e respeitadores, ainda mais crianças e jovens que, hoje em dia, se mostram bem mal educados. Mas, no geral, rola um respeito. Se não forem os fãs, nosso trabalho passaria despercebido.

Alguns fãs, especialmente os chamados "otakus", os realmente fanáticos por mangás e desenhos japoneses, podem ser extremamente preconceituosos, críticos, inconvenientes e até mesmo ofensivos. Contudo, procuro filtrar essas críticas e tentar enxergar algo de construtivo. Caso não encontre, entra por um ouvido e sai pelo outro.

Marcelo Ferreira: É legal. É legal falar com gente que aprecia o que você faz e falar de quadrinhos. Às vezes só é que aparece um fã mais nerd e cheio de perguntas, mas isso é normal.

E os radicalismos e "xiitismos" de certos fãs eu simplesmente ignoro.

Maurício Muniz: O público de quadrinhos é um dos mais exigentes que existe, exatamente porque são pessoas de mentalidade ampla e que são expostas constantemente a novos conceitos e ideais. É um público com um senso crítico muito grande e que reclama muito, até porque amam os quadrinhos. Às vezes lidar com o público de quadrinhos pode ser assustador, mas também é muito recompensador.

9- Quais são seus futuros projetos?

Maurílio DNA: Atualmente estou envolvido na produção de uma revista que publica um mangá de minha autoria, junto com um parceiro roterista. Usamos um modelo de publicação até agora inédito no Brasil e, dessa forma, tentamos criar algo novo e nos posicionar como pioneiros no mercado. O próximo passo é manter a liderança, o que será conseguido com trabalho duro e evolução constante. Pretendo me dedicar a isso por um bom tempo.

Acredito que, com essa linha de pensamento, provoquemos um aquecimento do mercado e contribuamos para que novos leitores engordem as fileiras, causando uma expansão nas vendas, bem como promovamos o aumento da produção e da quantidade de publicações do gênero. Mas é um plano com resultados de médio a longo prazo.

Depois de ganhar alguns prêmios e ser consagrado melhor mangaká (desenhista de mangá) do Brasil, quero dominar o mundo, Hahahhha! (Brincadeira).

Marcelo Ferreira: Continuar desenhando quadrinhos! (risos) Hoje estou trabalhando com a Ape Comics americana e sei que vou ter outros projetos além do Richie Rich. É difícil saber com muita antecedência, então isso é tudo o que eu consigo falar mesmo.

Maurício Muniz: Continuar a editar quadrinhos legais, do Brasil e do exterior, publicar algumas HQs que tenho escritas - algumas já sendo desenhadas - e continuar a viver do meu trabalho com quadrinhos e cultura pop.

***

Você pode conferir trabalhos dos professores Marcelo Ferreira, Maurílio DNA e Emerson Penerari em suas galerias no site DeviantArt:
http://marcferreira.deviantart.com/gallery/
http://mauriliodna.deviantart.com/gallery/
http://penerari.deviantart.com/gallery/

Entrevista com o escultor LuBertin

2011-10-31T14:34:00.001-02:00

Não perca o workshop com o escultor LuBertin na Ânima Academia de Arte! Para maiores detalhes, clique na imagem abaixo!

Entrevista com LuBertin

Ânima - Fale um pouco sobre você: quem é, de onde vem, onde mora, sua idade, e o que mais quiser a seu respeito.

Meu nome é Luis Bertin, tenho 37 anos, sou designer gráfico, desenhista e escultor. Sou natural da cidade de Rio Claro. Desde pequeno com lápis nas mãos riscando as paredes de casa e criando histórias em qualquer superfície que era possível (minha mãe adorava... rsrsrs), isso teria que terminar como profissão. Atualmente realizo vários trabalhos ao mesmo tempo nas artes gráficas, desenho e escultura e dedico todo meu tempo ao aperfeiçoamento e aos maiores detalhes na escultura. Mais trabalhos podem ser vistos em www.bertinestudio.com.br

Ânima - O que o levou a se interessar e trabalhar com escultura e como chegou ao estágio em que se encontra?

Eu sempre busquei o maior aperfeiçoamento nos meus desenhos, na técnica luz e sombra, e chegar a quase tirar o desenho do papel era minha meta. Há uns 8 anos conheci a escultura de bonecos, as action figures, e comecei a me aprofundar em técnicas e materiais para começar a trabalhar com isso, no início apenas para minha coleção. E foi um Hulk em biscuit que saiu como o primeiro “monstro”, literalmente.

Ânima - Como você definiria o seu estilo e o seu trabalho?

Tenho um estilo bem aberto, sem fixar em nenhum material específico ou técnica específica. Sou um eterno estudante da escultura. Adoro conhecer novos escultores e suas didáticas. Absorvo um pouquinho de cada um e tento aplicar em meus trabalhos.

Ânima - Quais são suas principais influências?

Influências são nossa motivação para tudo na vida. Na escultura cito Philip Faraut, Jordu Schell, e entre os brasileiros temos grandes feras como Rick Fernandes, Edinho Maga, Thiago Provin, Rodolfo (Rato), entre outros. Todos eles têm trabalhos que vocês encontrarão na internet.

Ânima - Você freqüentou alguma escola de arte? Comente a respeito.

Sim. No início fui autodidata, mas com a sede de conhecimento senti a necessidade de me motivar e comecei a buscar alternativas. Não achei nada em nossa região, apenas na capital, e foi lá que realmente encontrei o caminho. Nas mãos do meu primeiro professor, Rick Fernandes, conheci novos materiais e técnicas que uso até hoje. Depois tive também trabalhos com Thiago Provin, um dos melhores do Brasil, e também com Rodolfo Rato, excepcional professor, parceiro e amigo.

Ânima - Conte-nos como é um dia normal de trabalho para você.

Começo sempre anotando tudo que tenho que fazer no dia, os projetos que tenho que entregar, as aulas que vou dar. Feito tudo isso, se for esculpir, trabalho o desenho inicialmente, preparo a estrutura e começo a modelar... sempre blocando musculatura e no decorrer dos dias detalhando o trabalho. Faço vários ao mesmo tempo, assim nunca me canso de um trabalho só.

Ânima - Qual é a parte mais divertida e a mais difícil de se trabalhar com escultura?

A mais divertida é vê-la tomando forma, ganhando vida. Cada pedacinho de massa inserida na escultura tem um prazer indescritível. A mais difícil é o detalhamento, porém muito prazeroso também... sempre saber que estou perto do final.

Ânima - Como é, no Brasil, o mercado para o tipo de escultura que você faz?

É um dos mais promissores. A arte de colecionar é milenar e sabemos o prazer que isso proporciona a quem tem essa prática. Colecionar action figures não é diferente, quem nunca quis ter um Batman, um Super-homem na sua prateleira como um troféu? E isso tem crescido cada vez mais no Brasil. As escolas específicas de desenho e escultura proporcionam às pessoas terem as suas próprias esculturas... seu estilo implantado e suas poses preferidas, sejam heróis ou vilões. Grandes artistas brasileiros trabalham em empresas mundiais, fortalecendo ainda mais nosso nome lá fora!

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Curtiu a entrevista? Deixe seu comentário abaixo! E venha conferir o fantástico trabalho de LuBertin no seu workshop na Ânima!

Dicas para desenhar cenários

2011-10-24T14:11:00.010-02:00

O texto a seguir foi escrito pelo quadrinista americano Sean Gordon Murphy, e as ilustrações do post também são de sua autoria. Para ler o texto original em inglês, visite o link: http://seangordonmurphy.deviantart.com/journal/42911607/, e aproveite para conhecer mais de seu trabalho navegando por seu perfil no DeviantArt.

DICAS PARA DESENHAR CENÁRIOS – Sean Gordon Murphy

Olá a todos! Algumas pessoas já me perguntaram sobre conselhos para desenhar cenários. Então, ao invés de ser um verdadeiro cavalheiro e responder para cada pessoa separadamente, decidi que é mais fácil abordar isso com um belo e impessoal texto no meu Diário! Talvez um dia eu monte um tutorial ou algo assim para demonstrar de fato sobre o que é que estou falando, mas por enquanto uma rápida lista terá de ser suficiente.

*Antes que eu comece, um rápido aviso – de forma alguma eu tenho isso totalmente resolvido. Minhas opiniões sobre cenários e como prepará-los estão sempre mudando. Muito do que eu penso é baseado no trabalho dos artistas em cujos ombros eu me apoio. Sinta-se livre para discordar de qualquer coisa que eu disser.

APONTE-E-CLIQUE

Você se lembra daqueles jogos estilo “aponte-e-clique” dos anos 90? Eu amava aqueles jogos! Indiana Jones and the Fate of Atlantis, Flashback, Full Throttle, Space Quest, Hero Quest – jogos de aventura sempre me deixavam maravilhado com o quão belos, imaginativos e expansivos os designs dos cenários eram. O objetivo desses designs era estimular sua imaginação e dar aos seus olhos algo para fazer, porque você normalmente acabava voltando para aquelas telas para procurar chaves perdidas e outras coisas que eram necessárias para que se completasse o jogo. E isso é o que eu aconselho em termos de desenhar cenários em quadrinhos: planeje-os de uma maneira que faça os leitores gostarem de voltar a eles. NÃO desenhe cenários com pressa apenas querendo terminá-los logo.

PLANEJE

Não pense e desenhe seus cenários apenas como um mero complemento. Planeje os designs com o mesmo cuidado com que você planeja o desenho de seus personagens. Os dois existem no mesmo painel, portanto devem ser planejados igualmente.

DETALHAMENTO SELETIVO

Eu admiro muito os artistas que detalham cada centímetro quadrado de seus cenários. Mas eu sei que não sou esse tipo de artista – eu prefiro detalhar em torno do foco principal do quadro, e deixar os detalhes diminuírem à medida que o olhar se afasta para as partes menos importantes dele. Isso ajuda o leitor a perceber melhor o que é que ele deveria estar observando enquanto você tenta direcionar seu olhar. Isso também ajudará a economizar sua energia, e também a do leitor – olhar para cenários fantasticamente detalhados é ótimo, mas pode ser cansativo durante a leitura. Faça um favor a você mesmo e guarde um pouco da sua habilidade para quando for necessário.

ADICIONE ESPECIFICIDADE

Não desenhe objetos genéricos, desenhe-os especificamente para se encaixarem nos ambientes dos personagens. Uma cadeira de madeira reta, comum, talvez cumpra seu papel, mas esse tipo de cadeira é chato. Desenhando uma cadeira específica – como uma daquelas cadeiras verdes barulhentas de escritórios dos anos 60 – mais possivelmente você estimulará seu leitor. Você quer que ele pense “Eu CONHEÇO essa cadeira!”, então deveria apresentar objetos que o envolvam.

*Aliás, tente SEMPRE se manter longe de ter que desenhar uma cadeira genérica. Eu sei – várias pessoas com salários medianos vivem em lares genéricos com cadeiras genéricas. Mas nenhum leitor quer gastar seu tempo nesses ambientes. Melhor fazer essa cadeira com alguma especificidade, mesmo que o roteiro não indique isso – tente fazê-la “gasta”, “detonada”, ou uma um pouco mais bonita, quem sabe com um encosto alto e firme. Queremos “hiper” objetos, não objetos chatos e comuns.

DIMENSIONALIDADE

Tente adicionar elementos como pontes, portas, passarelas, escadas, rampas e qualquer outra coisa. Mesmo que os personagens não os usem, ver que eles PODERIAM usar faz dos cenários algo mais interessante porque oferece aos personagens E aos leitores algo a ser explorado. O que é mais interessante: uma sala comum, simples, ou uma sala com uma escada em espiral levando a algum lugar fora do painel? O que é mais interessante: um rio, ou um rio atravessado por um tronco enorme, do tipo que se pode usar para andar até o outro lado? Mesmo que você esteja desenhando um caminhão de lixo, faça-o com uma escada encaixada em um de seus lados. Eu adoro detalhes como esses.

PERSPECTIVA

Não há como fugir dela. Meu conselho é adquirir um livro chamado “Perspective! For Comic Book Artists”, de David Chelsea. Eu tive um professor na faculdade que costumava fazer ilustrações para a NASA e ele nos desafiou uma vez com um problema de perspectiva que ele não tinha sido capaz de resolver. Depois da aula, eu mostrei a ele uma resolução e ganhei um “A” automático no semestre. Ele me perguntou onde eu havia aprendido aquilo, e eu contei sobre esse livro. BAM!

SOLUÇÕES CRIATIVAS

Se você não gosta de desenhar cenários, então você precisa encontrar uma maneira de fazer isso que te dê prazer. Se você não se interessa pela sua arte, isso transparecerá nela. Pelo que eu sei, Mike Mignola não é um grande fã de desenhar perspectiva, mas ele encontrou o seu jeito de abordar cenários sem ter de fazer montes de medidas. E ele é um mestre – os ambientes que desenha são lindos e tem aquele aspecto de “aponte-e-clique” que eu adoro. NÃO COPIE do Mike – encontre seu próprio jeito de fazer as coisas. O objetivo é que seus leitores identifiquem sua arte instantaneamente também pela sua maneira particular de imaginar os seus cenários.

APENAS O NECESSÁRIO

Se você não precisa de um cenário, não o desenhe. Aproxime-se de um rosto ao invés disso. Melhor não ter cenário, do que ter um mal-feito e desnecessário. Ou se você se encontrar sem energia no fim do dia, re-imagine o seu quadro e encontre uma maneira de disfarçar o fato de que você está cansado. Deixe seus “sentidos de design” trabalharem por você.

FAÇA UMA PAUSA

Se você detonou em um monte de cenários detalhados nas últimas três páginas – dê ao leitor uma página com espaço para respirar. Use cenários mínimos ou então nenhum. Eu tento fazer sempre pelo menos UM cenário por página, mas não há necessidade de sobrecarregar seu leitor jogando em sua direção página atrás de página com cenários mirabolantes e fantásticos. Queremos mostrar ao leitor que sabemos o que estamos fazendo e não temos medo de desenhá-los, mas assim que ele entender a idéia, dê-lhe uma pausa nesse ritmo.

MOSTRE O CONJUNTO

Eu acho que os artistas de quadrinhos deveriam acertar em cheio pelo menos cinco cenários do tipo “UAU!” em cada revista. São aqueles cenários que levam as pessoas a fazerem uma pausa na leitura e que ajudam a situá-las (principalmente se for um cenário novo na história). Desenhando o cenário “UAU!” mais cedo na sequência, você também estará resolvendo problemas logísticos em sua própria cabeça. Aí será mais fácil usar “atalhos” inteligentes mais tarde na cena.

PESQUISE

Artistas no passado costumavam trabalhar em estúdios e compartilhar catálogos de referências retiradas de revistas e outras fontes. Nós atualmente temos o luxo do Google e do Flickr. Em outras palavras, não há razão para não se fazer pesquisa. Se você realmente quer ganhar o respeito de artistas veteranos, então dedique seu tempo a isso. Se você não é do tipo que pesquisa para uma página NO DIA em que está desenhando-a, então faça as pesquisas necessárias para uma edição completa durante um sábado.

THE SIMS

Você conhece o jogo The Sims, em que você controla o mundo do seu personagem? E toda vez que ele vê algo de que gosta, um SINAL DE MAIS verde aparece sobre a sua cabeça? E toda vez que algo ruim acontece, um SINAL DE MENOS vermelho aparece? Esse é o seu leitor. Quanto mais você o estimula com coisas boas, mais envolvido ele fica pela sua história. Quanto mais desleixado você é com as escolhas que faz para seus cenários, mais você aumenta a chance de um SINAL DE MENOS aparecer sobre seu leitor. Eu recomendo que você folheie os seus rascunhos e layouts antes de começar. Faça com que haja pelo menos um pouco de material que faça surgir um SINAL DE MAIS verde nas suas páginas.

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Espero que isso ajude. Outras coisas para pesquisar se você estiver interessado: a regra dos terços, a espiral dourada (ou retângulo dourado), e a regra do 75/25 (aqui está um link que você precisa assistir por 5 minutos para ver).

O Valor da Arte

2011-10-17T11:50:00.002-02:00

O texto a seguir foi escrito pela professora Gisela Pizzatto, e você pode conferir o texto original, em inglês, no link http://gisapizzatto.deviantart.com/journal/The-Value-of-Art-257917978.

O Valor da Arte

Atualmente temos ouvido muito sobre roubo de Arte na internet. Pessoas como Chad Love Liebermann do site Art4Love (se você não conhece essa história, por favor leia o artigo, em inglês, aqui - http://www.plagiarismtoday.com/2011/08/22/the-art4love-chad-love-lieberman-plagiarism-scandal/) e muitos outros estão sendo apontados como ladrões de arte, mas esses são apenas os “peixes grandes”. Pessoas comuns também são culpadas. Eu mesma fui uma vítima disso.

"A internet é a grande culpada", todo mundo diz. Mas para os artistas, é bastante difícil proteger seu trabalho e ao mesmo tempo mostrá-lo ao mundo. Hoje em dia, a internet é o melhor meio que temos para nos fazermos conhecidos e vendermos nosso trabalho. A melhor maneira de proteção é usar as horríveis marcas d’água e carregar nos sites imagens de baixa resolução. Mesmo assim, a proteção não é total. E por quê?

Eu acredito que todo o problema seja sobre compreensão e, é claro, educação. As pessoas normalmente não entendem o valor de uma obra de arte, nem o esforço que o artista despende para produzi-la e nem todo o processo de criação.

Mesmo para o próprio artista, colocar um preço em uma obra pode ser bastante difícil. Mas o que é necessário entender primeiramente é que um artista vive da sua arte. E quando digo isso, quero dizer que o artista vende usa arte para pagar o aluguel e todas as coisas de que as “pessoas normais” precisam, mesmo que a maioria delas ache que um artista não precisa dessas coisas. Ser artista é viver o sonho, é trabalhar por amor, SIM, isso é verdade. MAS também somos seres humanos que precisam comer e viver em algum lugar.

Então, quando alguém chega para um artista e pede por uma peça gratuita e o artista diz “não”, quando ele não está fazendo troca de arte nem fazendo isso por pontos ou “lhamas” (tipos de “moedas de troca” na comunidade DeviantArt), ele está meramente tentando dizer que precisa de dinheiro de verdade, pois esse é o seu trabalho! Por isso, se algum dia você pensar em dizer para um artista “nossa, como isso está caro!”, por favor, não o faça, ou diga apenas “me desculpe, mas não posso arcar com esse custo no momento”, porque VOCÊ não pode colocar valor no trabalho de OUTRA PESSOA.

Arte não é como uma vassoura, objeto bastante útil e que as pessoas sabem mais ou menos quanto custa, porque é praticamente igual a todas as outras. No prefácio de “O retrato de Dorian Gray”, Oscar Wilde escreveu: “Podemos perdoar um homem por produzir uma coisa útil desde que ele não a admire. A única desculpa para fazer algo inútil é que alguém a admire intensamente. Toda arte é bastante inútil”. E é por isso que é bastante difícil encontrar o valor da Arte.

Alguns jovens artistas também são culpados por fazer as pessoas subestimarem o valor da arte: eles ficam confusos sobre quanto cobrar de seus novos clientes e também têm medo de que achem seu trabalho muito caro. Por isso não vendem nada. O que eles não entendem é que, fazendo isso, eles diminuem o valor do próprio trabalho e do trabalho de seus colegas artistas. Quando as pessoas encontram arte barata, começam a se perguntar por que outros artistas cobram mais por trabalhos similares. E não estou falando de obras de arte encontradas em museus ou galerias: o valor delas é um assunto completamente diferente e envolve várias outras questões.

Estou falando de simples peças comissionadas, designs de tatuagens, fan-arts e ilustrações para diversos propósitos. Cada caso é único e terá um diferente preço. Um jovem artista não pode cobrar tanto quanto um profissional por seus trabalhos, e as pessoas devem entender que a qualidade dos trabalhos será diferente também. Então, quando cobro 80 dólares por um desenho simples para uma tatuagem e as pessoas acham muito, elas acham que estão certas em clicar com o botão direito do mouse e escolher “copiar imagem”. É a mesma coisa quando você baixa uma música sem pagar por ela. É errado! Não é apenas um arquivo na internet. Alguém colocou muito esforço nela, estudou muitos anos, comprou boas ferramentas e equipamentos para produzi-la e usou algo que não é todo mundo que consegue usar: criatividade.

Ninguém pensa nisso antes de roubar uma obra de arte. Casos como o de Chad Liebermann são apenas uma hipérbole do que acontece todos os dias na internet. Artistas têm o dever de fazer as pessoas entenderem o valor de uma peça artística, não deixando que as pessoas usem sua arte sem pagar por ela e cobrando preços justos por seu trabalho.

“Nós temos a arte para não morrer da verdade”, disse Friedrich Nietzsche. Da próxima vez que se sentir tentado a usar o botão esquerdo do mouse, pense nisso.

dia 15 de Outubro - Dia do Professor

2011-10-06T08:38:00.002-03:00

Hoje em dia são muitos que menosprezam e não valorizam o trabalho do professor. Mas alguém que é responsável por transmitir conhecimento (qualquer que seja ele) não pode jamais ser esquecido!

A Ânima deseja a seus professores e a todos os professores mundo afora, um Feliz Dia do Professor.

A CRIAÇÃO DO PROFESSOR
Autor Desconhecido

O bom Deus estava criando os professores. Foi seu sexto dia de 'horas extras' e sabia que esta era uma enorme responsabilidade porque os professores seriam responsáveis por tocar a vida de muitas crianças. Um anjo lhe apareceu e disse: "Você está levando muito tempo para descobrir como fazer isso."

"Sim", disse o Senhor ", mas você já leu as especificações desse produto?"

PROFESSOR:

... deve estar acima todos os alunos, e ainda assim estar em seu nível
... deve ser capaz de fazer/saber 180 coisas não relacionadas com o assunto que ensina
... deve ser movido a café e sobras,
... deve passar conhecimento vital para todos os alunos diariamente e ser uma pessoa correta na maior parte do tempo
... deve ter mais tempo para os outros do que para si mesmo
... deve ter um sorriso resistente a cortes salariais, crianças problemáticas, e pais preocupados
... deve continuar a ensinar mesmo quando os pais questionam cada movimento seu e os outros não lhe dão apoio em relação à carreira
... deve ter seis pares de mãos

"Seis pares de mãos", disse o anjo, "isso é impossível"
"Bem", disse o Senhor, "não é as mãos que são o problema. São os três pares de olhos que estão apresentando a maior dificuldade!"

O anjo olhou incrédulo, "Três pares de olhos ... em um modelo padrão?"

O Senhor acenou com a cabeça, "Um par pode ver um aluno pelo que ele é e não como os outros o têm rotulado. Outro par de olhos é na parte de trás da cabeça, para ver o que não deve ser visto, mas o que ele precisa saber. Os olhos da frente são só para olhar como o aluno 'age por fora' de forma que o professor possa refletir: "Eu entendo e eu ainda acredito em você", sem sequer dizer uma palavra para o aluno."

"Senhor", disse o anjo, "este é um projeto muito grande e eu acho que você deveria trabalhar nisso amanhã".

"Eu não posso", disse o Senhor ", pois eu cheguei muito perto de criar algo muito como Eu. Tem modelo que vem para o trabalho mesmo quando está doente ..... ensina uma classe de crianças que não quer aprender .... tem um lugar especial em no coração para as crianças que não são seus filhos..... entende a luta daqueles que têm dificuldade .... nunca desvaloriza os alunos... "

O anjo olhou atentamente para o modelo que o Senhor estava criando.
"É muito coração mole", disse o anjo.

"Sim", disse o Senhor ", mas também é durão, você não pode imaginar o que este professor pode suportar ou fazer, se necessário".

"Pode este professor pensar?" perguntou o anjo.

"Não só pensar," disse o Senhor, "mas racionalizar e se comprometer."

O anjo aproximou-se para ter uma melhor visão do modelo e passou o dedo sobre a bochecha do professor.

"Bem, Senhor", disse o anjo, seu trabalho parece bom, mas há um vazamento. Eu disse que você estava colocando muito nesse modelo. Você não pode imaginar o estresse que será colocado sobre o professor. "

O Senhor chegou mais perto e retirou a gota do rosto do professor. Ela brilhava e reluzia na luz.

"Não é um vazamento," Ele disse: "É uma lágrima."

"Uma lágrima? O que é isso?" perguntou ao anjo: "Por que uma lágrima?"

O Senhor respondeu com grande pensamento: "É para a alegria e orgulho de ver uma criança realizar até mesmo a menor das tarfas. É para a solidão das crianças que têm dificuldade para se ajustar e pela compaixão para com os sentimentos dos seus pais. Vem da dor de não ser capaz de chegar a algumas crianças e da decepção que essas crianças sentem por si mesmas. A lágrima vem muitas vezes quando o professora está há muito tempo com uma turma e deve dizer adeus para os alunos e preparar-se para acolher uma nova classe. "

"Oh", disse ao anjo, "essa coisa de lágrima é uma ótima idéia ... Você é um gênio!"
O Senhor olhou sombrio, "Não fui Eu quem a colocou lá."

Entrevista com Maurílio DNA sobre a Ação Magazine

2011-10-03T09:51:00.008-03:00

Nos moldes das antologias japonesas como a famosa Shonen Jump, essa iniciativa criada pelo quadrinista Alexandre Lancaster pretende publicar um mix de mangás e medir o sucesso de cada um junto ao público – que decidirá quais histórias continuam e quais devem sair. O primeiro número já está nas bancas e tem três novas séries produzidas no Brasil: Madenka, de Will Walber (lutas em um mundo repleto de criaturas do nosso folclore), Jairo, de Michele Lys, Renato Csar e Altair Messias, (um lutador de boxe em busca da medalha de ouro nas Olimpíadas de 2016), e Tunado, de Maurílio DNA e Victor Strang (história sobre rachas de carros, uma coisa tipo Velozes e Furiosos).

Os próximos números trarão a estréia de mais três séries: Rapsódia, de Fábio Satoshi Sakuda e Carlos Sneak (fantasia em que um bardo de um povo mitológico caça gigantes que atormentam seu mundo), Expresso, do próprio Lancaster (aventura steampunk sobre um inventor adolescente que enfrenta ameaças no Brasil do começo do século XX), e Arcabuz, de Márcio Gonçalves e Roberta Pares Massenssini, (aventura de capa e espada na era da União Ibérica).

A professora Gisela Pizzatto entrevistou alguns dos artistas da Ação Magazine sobre a produção de suas histórias. Nesse post, confira a conversa com Maurilio DNA, desenhista de Tunado e professor do curso de Mangá na Ânima Academia de Arte.

Como surgiu a oportunidade de fazer parte da revista?

DNA - Conheci o editor Alexandre Soares (Lancaster) na comunidade de artistas DeviantArt. Conversamos a respeito do projeto desde 2006, quando tive a idéia de fazer o Tunado (trabalho que está na Ação). Desde aquela época ele falava a respeito dos planos de fazer uma revita mix nos moldes das publicações japonesas, algo nunca feito no Brasil.

Você poderia falar um pouco do mangá que fez para a Ação Magazine? Foi um trabalho em conjunto com outros artistas, não é?

DNA - Tunado é uma história sobre rachas de rua. Daniel Kawasaki, o protagonista, é um garoto que adora carros. Ele tem como ídolo seu tio, um famoso ex-corredor de Stock Car cuja carreira foi encerrada devido a um acidente que o deixou paraplégico. Movido pelo desejo de suceder seu tio, o tímido Daniel começa a forjar sua carreira em rachas de rua, assim como seu ídolo havia feito antes dele. Junto comigo trabalha Victor Strang. A criação da história é minha, o desenvolvimento é um trabalho conjunto, mas ele é mais responsável pelo roteiro. Nós já fizemos algumas histórias juntos antes.

Qual a parte mais difícil do trabalho de mangaká?

DNA - Eu elegeria DUAS partes mais difíceis: criar uma história bacana, que seja interessante e agrade. A segunda é FAZER o mangá em si. Um desenho bem feito, caprichado e bem acabado da muito trabalho MESMO. Numa história como a nossa, não podemos relaxar em detalhes como nos carros e nos cenários. É realmente muito trabalhoso.

E a parte mais fácil?

DNA – Acho que posso dizer que, com o advento dos computadores e dos programas para criar mangás, algumas coisas como fazer requadros e aplicar retículas, tornaram-se muito mais fáceis de se fazer do que seriam se feitos à mão, no original de papel.

Ser mangaká é hobby ou profissão? Resumidamente, como você se tornou um mangaká?

DNA – Eu sempre amei desenhar e, diferente do que muitas pessoas fazem, não parei e fui fazer cursos. Dentre os desenhos que assistia na TV, eram os japoneses que me agradavam mais. Quando vi AKIRA nas bancas pela primeira vez, me arrebatou. Foi quando decidi ser desenhista de profissão, e quando o mangá se tornou parte de mim. A profissão veio, tomando o lugar do hobby, anos mais tarde quando passei a dar aulas e fazer ilustrações profissionalmente. A consolidação veio na publicação da revista "FRONT Especial 100 anos da Imigração Japonesa no Brasil", onde eu publiquei uma história de mangá MESMO.

Quais suas principais influências artísticas?

DNA – Katsuhiro Otomo (AKIRA), foi e é minha grande influência. Depois dele, passei a gostar e procurar seguir artistas como Takehiko Inoue (Vagabound!), Takeshi Obata (Death Note), e Oh! Great (Tenjou Tenge), entre outros.

Você tem algum conselho/dica para quem está iniciando?

DNA – Do ponto de vista técnico, um bom mangaká tem que dominar muito anatomia, luz e sombra e perspectiva. Não pode ter preguiça de fazer cenários, nem se abater diante do enorme trabalho que dá fazer um mangá bem produzido e caprichado. Deve praticar sempre e não ficar "esperando ser bom" para arriscar fazer suas histórias. A produção de uma história é a melhor maneira de evoluir no trabalho, e as criticas que possa receber são fundamentais para a evolução do artista. É preciso ler muitos livros, revistas, outros estilos de histórias em quadrinhos, procurar ser criativo e sair do comum, para criar histórias interessantes e que sejam, a princípio, um pouco diferentes do que já é feito. E, por favor, parem de fazer histórias com personagens e nomes japoneses!!! A gente mora no Brasil! O protagonista, Daniel, é descendente de japoneses, mas ele tem nome brasileiro, pode até ser parecido com algum conhecido seu...

*****

Maurilio DNA nasceu em Campinas (SP) e atualmente reside em Holambra (SP), onde trabalha como ilustrador freelancer e ainda dá aulas de mangá na Ânima Academia de Arte, em Campinas.

Conheça mais sobre o seu trabalho: http://mauriliodna.deviantart.com/

Exposição "Conan, o Bárbaro"

2011-09-29T08:51:00.002-03:00

Trabalhos de alunos e professores da Ânima Academia de Arte podem ser conferidas até 3 de outubro

O Shopping Valinhos deu início no dia 13 de setembro à exibição de trabalhos dos alunos e professores da Ânima Academia de Arte inspirados no super-herói "Conan, O Bárbaro", em alusão à nova versão cinematográfica da obra. As criações podem ser conferidas até o dia 3 de outubro.

Criando uma História em Quadrinhos - Parte 2

2011-08-29T09:18:00.003-03:00

Oi, pessoal, como prometido aqui vai a segunda parte do texto "Criando uma História em Quadrinhos". Pra ver a parte um, clique aqui: Parte 1

"Conhecendo o chão em que se pisa"

#2: Familiarizando-se com gêneros e os públicos-alvos

Ou alternativamente, passo #1: Vadiando por um pântano em botas enlameadas

Vamos iniciar num território que muitos de vocês podem considerar absolutamente trabalhoso.

“Não quero pensar em tantas coisas inúteis! É muita informação de uma vez! Não podemos pular logo pra parte legal?”

Então, você está olhando para o termo “categorização” e dizendo para você mesmo, eu já sei isso. Eu sei o que eu quero.

...sabe mesmo?

“Como os gêneros podem me ajudar? Isso não é pura invenção de editoras e livrarias? Mas eu quero escrever ficção para todo mundo! Quero que meu quadrinho seja amado por crianças, jovens e adultos! Não deveria haver limites!”

O GRANDE “AI”: “O triste fato é que se você mira em todo mundo, acaba não acertando ninguém.”

Um sucesso entre vários tipos de público é uma ocorrência feliz em qualquer campo do entretenimento, mas, ironicamente, os GRANDES sucessos são extremamente focados em públicos específicos. Enredos apertadamente amarrados com precisão mortal. È útil pelo menos considerar as teorias comuns de marketing, especialmente nos quadrinhos, que é uma mídia tão visual. Como nos filmes, o público para o qual você direciona afeta o design gráfico da publicação, o enfoque nos temas, a execução dos personagens, e a complexidade da trama.

O público-alvo é um campo do mercado-alvo na propaganda. Você o verá sendo prontamente discutido, no que se aplica a produtos, vendas, e tráfego na web. È um ponto de partida comum. Você se lembra das suas aulas de Português no ensino médio, ou mesmo no ensino fundamental? Uma das primeiras coisas que lhe dizem para fazer quando está escrevendo qualquer tipo de trabalho é considerar a sua voz narrativa no que diz respeito a com quem você fala! Você tem de começar por aqui? Não. Eu geralmente gosto de pensar em alguns conceitos e fazer um brainstorm antes, mas o ponto é – é uma boa coisa considerar para quem você está escrevendo. Isso pode ajudar a determinar sua abordagem e focar seus esforços.

Goste você ou não, há alguma verdade em estatísticas e generalizações, e enquanto você não as tome como regras absolutas, elas podem ser uma parte útil do quebra-cabeça. Por exemplo: você não encontrará normalmente uma garota pré-adolescente folheando avidamente exemplares de Batman: Pretérito Futuro ou Blade: A Lâmina do Imortal. Da mesma maneira, você normalmente não encontrará um homem de 40 anos tirando ansiosamente um fichário Lisa Frank da prateleira ou apertando um volume de Vampire Knight contra o peito (e caso você encontrasse, eu aposto que provavelmente ficaria encarando. A não ser que o homem de diga algo do tipo “Finalmente encontrei! Minha filha ficará tão feliz!”, aí tudo bem).

Há, com certeza, várias vantagens em abordar mentalmente o seu quadrinho dessa perspectiva do “marketing”, mas não é necessário se prender a ela. Você não deve se sentir restringido ou sufocado quando considerar todas as diferentes maneiras de contar e vender sua história. Antes, olhar todos os gêneros e considerar o público alvo deve ajudar a abrir um pouco a sua mente. Se você tem uma história, você deve considerar a melhor maneira de contá-la. Qual estilo de história melhor se aplica ao material? Em que tipo de ambiente o seu personagem em particular se desenvolveria? Em que era ele está vivendo, e como isso molda as circunstâncias à sua volta? Qual seu sistema de crenças? Muitas das coisas que determinam o gênero são os aspectos Quem, O Quê, Quando e Onde da sua história.

Gêneros, ou categorias, são uma sacola de surpresas. À medida que o tempo avança, surgem vários tipos de novas combinações. Nada fica muito claro e definido quando colidimos e esmagamos gêneros ou os colocamos em um liquidificador e apertamos o botão de fazer “Purê”.

Nos bons tempos do século XX, a ficção estava dividida bastante distintamente nos gêneros histórico, policial, romântica, geral e literária. Agora, tudo está ramificado em todo tipo de sub-gêneros e, em alguns casos, em gêneros totalmente novos!

Gêneros são como uma caixa de giz de cera. Sua introdução a eles pode ter sido uma caixa de brinde da Pizza Hut apenas com as cores primárias – vermelho, azul e amarelo. Você os usou e misturou e se divertiu bastante com eles antes de entrar na primeira série com uma melhorada caixa de 12 cores de Crayolas.

Mas não pare por aí! Eventualmente, você passa para a terceira série e lá está, a caixa de 64 cores de Crayolas! Eu não acho que a Crayola havia imaginado rosa-festança como uma cor quando começaram a produzir seus gizes, ou mesmo macarrão, mas hoje as cores estão lá para que você use de novas e interessantes maneiras. E, é claro, você pode sempre combinar cores incomuns e até rabiscá-las juntas, torcendo para que saia algo legal e contemporâneo e não uma horrenda sujeira marrom-esverdeada. Quando estiver experimentando com gêneros, você dá sorte algumas vezes. E algumas vezes, a excitação do experimento já vale o risco. Senão, sempre há as caixas de 600 cores no futuro, se você ousar criar a sua.

“Bem, e que tipos de gêneros existem por aí hoje em dia?”

Bem, você sempre pode abrir vários livros para saber quais são os gêneros que estão por aí. (Aposto que você já conhece vários deles inerentemente.) Comece a visitar a sua biblioteca local se você é como eu e gosta de chegar aos livros do jeito normal. Caso contrário, a maioria dos sistemas de busca lhe mostrará enormes listas de gêneros e dos mais viajantes subgêneros.

Você pode procurar por ficção de gêneros e gêneros de filmes, até gêneros de mangá e de histórias em quadrinhos. Existe, como você deve imaginar, muita sobreposição e hibridização dos gêneros e subgêneros.

Tirei do livro de Nancy Lamb, The Art and Craft of Storytelling, uma lista de algumas das categorias atuais da ficção de gêneros:

- Ficção em geral = nome abrangente para histórias bem contadas que não se encaixam bem nos outros gêneros.
Literatura para garotas, drama doméstico, Esportes, Lliteratura sobre Vampiros, LGBT, Humor, Histórias de Guerra, Melange

- Ficção histórica = ênfase carregada na pesquisa histórica, imbuída de uma textura fiel à época da história.
Romance, Thriller de Detetive, Aventura, Saga Familiar, Drama, Saga Histórica em vários volumes

- Romance = foco no relacionamento; leitores querem ler sobre amor.
Criaturas da noite, Romance histórico, Romance regencial, Romance paranormal, Romance LGBT, Romance de inspiração, Romance contemporâneo

- Mistérios e Thrillers = devem prender a atenção do leitor; o escritor deve prover “pistas” para soluções.
Detetives, Mistérios em cidades pequenas, Cristão, Noir, Investigação forense, Policial, Tribunal/Advogados, Mistério LGBT, Histórico, Thriller, Histórias de fantasmas, Terror, Espionagem

- Ficção Científica = normalmente imaginada em um cenário de alta tecnologia, e/ou com conhecidos elementos da ciência.
Apocalíptica e pós-apocalíptica, Cyberpunk, FC feminista, FC Cômica, Primeiro contato, Colonização, FC Militar, Viagem no tempo, Steampunk

- Fantasia = glorificação do espírito humano, dramatizada por meio de um conflito; comumente com criaturas mitológicas e de contos de fadas.
Fantasia heróica, Lendas Arturianas, Fantasia sombria, Fantasia urbana, Fantasia alternativa, RPGs, Fantasia científica, Mundos imaginários

- Autobiografia e Memórias = histórias de luta e triunfo de pessoas reais.
Superação, Política, Familiar, Celebridade, Viagem, Sobrevivência, Vidas extraordinárias, Confissão e conversão, Memórias espirituais, Memórias de escritores

- Novo jornalismo = termo “guarda-chuva”, que abrange trabalhos que usam pontos de vista pessoais para reportar eventos.

- Ficção literária = presta atenção especial ao estilo da prosa, ao tom e ao uso lingüístico enquanto trata de um assunto sério ou épico; controverso no sentido de que alguns o consideram intelectualmente superior, mas é na verdade um termo global que renega a categorização, sendo aplicado para quaisquer tipos de trabalhos extraordinariamente escritos.

Você pode encontrar várias listas desse tipo se tentar procurar. O que mais importa, no fim, é colocar seus intensos, conflituosos e emocionais personagens num mundo onde você possa criar uma história para fazer o seu público se interessar por e simpatizar com eles. Você quer o seu público emocionalmente envolvido, mas primeiro você tem que conquistá-lo.

“Quais são as minhas características mais fortes (na história) e como posso usá-los para meu melhor proveito?”.

Eu com certeza encorajaria todos a mergulharem nos gêneros de filmes e literários, já que existem livros inteiros dedicados a gêneros específicos. Uma vez que você escolha a abordagem do seu quadrinho, poderá focar profundamente nos detalhes e no design. Porquê? Quem se importa? Nas palavras de Jamie Scott Bell, “Conheça as convenções dos seus gêneros, e sempre adicione algo novo.” Estar familiarizado te dará o poder para empunhar suas ferramentas, para torcer e inverter as convenções e, o mais importante, para sentir confiança na sua abordagem ao contar a sua história.

Tudo que estou dizendo é que se você explorar gêneros e públicos com afinco, você tenderá a ter um ponto de vista mais focado nos tipos de história e até uma visão mais clara de como você quer contar a sua história, especificamente. Não quero dizer que gêneros o prendem; mas eles têm potencial para dar foco aos processos do seu pensamento. NENHUMA história tem apelo com todo mundo. De acordo com a maioria das fontes, tentar atingir a todos é uma “falha de amador”. “Mire em todo mundo e não acertará ninguém” é um ditado comum na indústria.
Todos os escritores devem ler. Todos os bons escritores são leitores dedicados. Já que os quadrinhos são um híbrido tão interessante de storytelling visual/cinemático E escrita, isso de certa forma compele o aspirante a quadrinista a mergulhar em mares de livros, borrifando seu tempo livre com contos e histórias curtas, absorvendo seqüencias visuais de filmes e peças de teatro, e explorando os mais variados tipos de quadrinhos.

*Nunca esqueça que o público-alvo influencia a natureza visual e o design gráfico dos quadrinhos. É uma idéia-chave, e um pouco diferente dos livros e contos. Pessoalmente, eu sempre considero toda a composição do que entra nos quadrinhos (inclusive o design) mais em sintonia com o cinema e o teatro, então vale muito a pena se aprofundar também nos gêneros cinematográficos.
Obrigado por ler, e lembre-se: é apenas alimento para o pensamento. Existem diferentes abordagens para tudo. Mesmo que não seja o seu método favorito, qualquer coisa pode servir como exercício mental.

Este texto foi originalmente publicado aqui: Parte #0 e Parte #1 , em inglês.

Exposição do filme "Lanterna Verde"

2011-08-15T13:50:00.005-03:00

Não percam a exposição temática do filme "Lanterna Verde" que a Ânima montou no saguão de entrada do cinema do Shopping Valinhos, com trabalhos de alunos e professores retratando cenas, personagens e situações do filme baseado nos quadrinhos da DC Comics!

A partir de terça-feira, dia 16 de agosto de 2011, na semana de preparação para a estréia do filme!

Endereço do Shopping Valinhos: Rua Paiquerê, nº 200 - Valinhos/SP
http://www.shoppingvalinhos.com.br/

O horário de funcionamento é das 10h00 às 22h00. Confiram!

Criando uma História em Quadrinhos - Parte 1

2011-08-05T11:43:00.006-03:00

Este texto foi originalmente publicado aqui: Parte #0 e Parte #1 , em inglês. Como é um texto muito longo, decidimos publicar aqui no blog em duas partes. Em breve a continuação! Fique de olho!

CRIANDO UMA HISTÓRIA EM QUADRINHOS

#0: Por onde eu começo?

Você gosta de histórias. Você quer contá-las.
Mas é mais do que isso, não é?
Você quer construí-las.
Quer que outros sintam e vivam sua história.
Contamos histórias todo dia em conversas, mas como podemos transformá-las em arte seqüencial?

"Por onde eu começo?"

Palavras, palavras e mais palavras!

Em muitos sentidos, os quadrinhos, ou seja, arte seqüencial, lembram a arte de fazer filmes. Toda história em quadrinhos tem seu próprio design e seu próprio estilo de “direção”, até no modo como os personagens pensam e agem. A arte dos quadrinhos tem sido sempre ligada a domínios como o do storyboarding ou do design gráfico. Apesar de a linguagem comumente usada incluir o termo “romance” (como em graphic novel, ou “romance gráfico”), o típico estilo de escrita de romances deve ser adaptado aos quadrinhos do mesmo modo que é remodelado para um roteiro de cinema ou TV. Quadrinhos não envolvem apenas os pensamentos e sentimentos de seus personagens, mas também incluem ações específicas para mostrar suas emoções. Mesmo se você está mostrando um personagem introvertido que fala (e pensa) consigo mesmo, você deve criar uma fluência lógica para tal solilóquio ocorrer e adicionar recheio ao enredo.

Quadrinhos são parentes de livros e romances, mas ao mesmo tempo não são exatamente livros e romances. Eles são adaptações dessa mídia intimamente relacionada a eles. Você pode escrever seus quadrinhos primeiro em forma de prosa? Claro que pode! Mas você deve estar equipado com o conhecimento de que as duas mídias podem ter também suas diferenças drásticas. O que pode funcionar num romance talvez não seja o melhor e mais prudente modo de se mostrar numa HQ.

Deixando de lado as questões de storyboard e fluência de painéis por enquanto, focaremos nossa atenção em todo o intimidador processo de criação de uma HQ – contar uma história com palavras e imagens. Onde começamos a procurar por uma boa história para contar? Você simplesmente mistura suas preferências numa maçaroca ficcional? Adiciona uma auto-inserção espertalhona e torce pelo melhor, afinal, quem não se identificaria com você? Ou simplesmente corre para comprar todos os livros que você conseguir encontrar sobre escrita?

Existe uma imensidão de maneiras de se fazer isso, e sem dúvida existem várias diferentes camadas na escrita de uma história. Vá a apenas uma livraria e você se defrontará com paredes de livros com assuntos variando entre estrutura, caracterização, diálogo, e por aí vai. Talvez você jogue suas mãos para o alto e se arraste até a cafeteria para achar alguma revista interessante. Talvez você mande para baixo um café ou dois, irritado e perturbado com a idéia toda. Por onde você começa?

A verdade é que você pode começar por qualquer lugar – até mesmo seu próprio quintal! (Um tesouro escondido, talvez? O X marca o lugar!) Não precisa ficar bom logo no começo, desde que você comece! Alguns de vocês talvez se agarrem à antiga e famosa declaração “Eu escrevo para mim mesmo”. Essa é uma maravilhosa declaração, e eu não a critico nem um pouco. Todo mundo que pintou com os dedos já experimentou a imensa satisfação que vem do processo de simplesmente criar. Entretanto, esteja você escrevendo para si mesmo ou para algum público, eu acredito que ainda vale a pena pelo menos considerar a questão de escrever/contar histórias por diferentes perspectivas.

Então, foquemos nosso esforço aqui. Sobre o quê exatamente queremos falar? Podemos destilar essas várias complexas questões em um simples plano de princípios que podemos relacionar aqui e agora com fazer quadrinhos? Vamos tentar. Manteremos isso bem amplo e dividiremos em seções. Refletiremos sobre nossos próprios interesses e experiências. Daremos uma olhada em gêneros, demografia e públicos-alvo. Mais tarde, meditaremos sobre que tipos de técnicas de brainstorm temos por aí – conceituação, fluxogramas e esboços – e veremos qual deles funciona para você. Mais tarde ainda, falaremos sobre personagens, a ilusão de vida, e escrita com público definido. Consideraremos a idéia dos quadrinhos não apenas da perspectiva de um escritor, mas também do ponto de vista de um designer conceitual.

Vamos começar!

#1: Gênero e público-alvo

“É mais fácil acertar seu alvo quando você abre os olhos e mira.”
– anônimo

Deixe-me perguntar algo.

Quando você entra numa loja de roupas, tem uma idéia geral de qual é o tamanho que você usa? Bem, então. E quanto ao seu estilo? Você tem uma seleção relativamente definida no seu armário, talvez nada mais do que jeans desbotados e camisetas com bolsos? Ou possui uma chamativa diversidade de roupas de designers, variando de couro de alta qualidade a tweed a cetim? Você é do tipo que nunca usa vestidos? Talvez você sempre use azul. Você se define como: Gótico? Punk? Mauricinho? De negócios? Casual? Sexy? Peculiar? Excêntrico? Há um rótulo ou estereótipo pessoal que vem espontaneamente à sua mente?

Quem é você?

Seja você quem for, eu aposto que provavelmente tem pelo menos alguma idéia de qual é o seu estilo pessoal de roupas. Quando você entra naquela ousada loja de departamento ou naquela loja de roupas econômica mas especial, você geralmente usa seus olhos para determinar se o estilo, cor e corte de algum item combina com você. Depois de ter achado aquela camisa “bonitinha” ou aquela jaqueta “liiiinda”, a maioria de vocês se dirige aos provadores para testar de perto, porque mesmo que aquela peça fique boa no manequim, o espelho pode contar uma história bem diferente.

Agora, e quanto aos seus livros? Seus filmes? Sua música? Seus quadrinhos? Você se encontra gravitando em direção a um certo gênero ou categoria? Ou talvez simplesmente tenha noções pré-concebidas quando vê propagandas ou capas de livros. Você exclui de cara aquele “filme de machão”? Revira os olhos com aquele filminho água-com-açúcar para garotas? Ou tem vergonha de admitir que adora aquele livro super romântico? Quem é você como espectador ou leitor? Pode parar por um minuto e classificar a si mesmo, ou notar os padrões no seu próprio comportamento? Além disso, pode olhar em volta e determinar quais os tipos de pessoas que o rodeiam? E do que é que eles gostam?

Ok, então para onde vamos com tudo isso? Bem. Esse artigo não tem a intenção de ser um guia definitivo para tudo que está lá fora, nem é uma brincadeira de “amarelinha” com todos os passos certos definidos para se fazer quadrinhos. Ao invés disso, pegaremos alguns conceitos categóricos da escrita, dos filmes e do marketing, para misturarmos aos nossos pensamentos e, esperamos, darmos ignição à bateria que energiza nossas mentes criativas.

Leia aqui a segunda parte do texto: Parte 2

Canson busca profissional para área de Marketing e Negócios

2011-07-29T09:48:00.005-03:00

A Canson, famosa empresa de papéis para uso artístico, está buscando um funcionário para contratar para a área de Marketing e Negócios.

Os requisitos são:

- ter um bom conhecimento artístico, inclusive de técnicas e materiais, pois o contratado trabalhará diretamente com os papéis artisticos profissionais;

- ter formação em Marketing ou Administração;

- ser pró-ativo;

- ter bom relacionamento com pessoas;

- ter, preferencialmente, idade entre 18 e 30 anos.

O contratado será um funcionário fixo da Canson.

Os interessados podem enviar currículo para marcelo@anima.art.br, que será encaminhado à Canson.

Exposição do filme "Capitão América - O Primeiro Vingador"

2011-07-26T14:55:00.002-03:00

É a partir de hoje, galera!

Endereço do Shopping Valinhos: Rua Paiquerê, nº 200 - Valinhos/SP
http://www.shoppingvalinhos.com.br/

O horário de funcionamento é das 10h00 às 22h00. Não percam!

Melhore seu Desenho (sem desenhar!)

2011-07-18T10:45:00.007-03:00

A arte é um processo.

Como o método científico e filosófico da alquimia, a arte pode ser aperfeiçoada e melhorada através de um processo. A partir da observação, da experiência, da reflexão, a arte é melhorada pelos passos que damos para mudar, não nos solidificando ou estagnando. Boa parte dos conselhos para desenho é simplesmente "prática" ou "evitar distrações". Estes conselhos são bons, mas criação é mais do que apenas entrar sem pensar em uma tarefa e evitar maus hábitos ao longo do caminho. Bons hábitos e conhecimento ajudam a tornar mais rápida a excelência do seu processo de aprendizagem, a partir daí, é só melhorar a forma de uma maneira mais rápida e eficaz.

Olhe

Para um artista, a observação é fundamental. A habilidade que desenvolvemos não é apenas ver, mas interpretar o que vemos, lembrando o que vemos gravamos a imagem em forma de arte visual. Esta é uma habilidade que, se excluirmos cegueira ou deterioração da visão, você será capaz de melhorar durante sua vida inteira. A maneira de ver do olho de um artista nunca vai embora. Ela só pode melhorar.

Ao “ver” o mundo, é importante tomar nota do que você está observando do ponto de vista criativo e técnico. Eu estou olhando para uma textura de tecido interessante para armazenar em minha mente para mais tarde? Será que esta paisagem linda tem linhas fluidas que eu poderia usar em uma história em quadrinhos? Devo observar a forma como a luz do sol atinge essas nuvens e os tons que produzem, e onde? Estas são importantes notas mentais para se tomar ao observar, do micro ao macro – tudo pode ser visto e estudado.
(A Profa. Gisela Pizzatto sempre diz: “Um bom desenhista é obrigatoriamente um bom observador!”)

Tire uma foto

É interessante? Vale a pena manter e compartilhar? Gravá-la na câmera para guardar para mais tarde, se a memória for dar conta do recado (lembre-se sempre de seguir as regras de direitos autorais e privacidade das pessoas). As fotos não têm que ser muito boas. Eu, pessoalmente sempre tirei fotos das minhas mãos para desenhar. Acho que é quase impossível de outra forma. As fotos podem ser usados para registrar o que a memória não pode, como detalhes, a cor exata... Construir uma coleção de recursos vai lhe dar alguma coisa para pesquisar quando você precisar de ajuda, ou apenas inspiração para começar quando tiver algum bloqueio artístico.

Toque

Se possível, passe a mão. Vá para a loja de tecidos. Toque tudo o que deixará você impressionado. Toque a madeira. Toque a pedra. Toque o plástico. Toque o metal afiado. Toque coisas difíceis. Toque coisas macias. Lembre-se delas. Olhe para elas. Veja seus componentes. Veja o que os torna o que são. Fisicamente lidar com as coisas, ter uma forte memória delas, quando você entende as proporções e a massa de um objeto é mais fácil de transformar seu trabalho em 3D.

Brinque

Além de tocar esse objeto, levante-o. Segure-o. Balance-o um pouco. Encontre o centro da gravidade. Saiba o que é. Do que é feito. Qual é o objetivo histórico do objeto? Saiba quem inventou e por quê. Saiba aquilo evoluiu. Saiba de onde esse estilo de arquitetura é originado, e imagine como ele pode mudar ou evoluir no futuro. Se tornará extinto? Poderia ser usado para outra coisa? Se você desmontou o objeto, o que sobrou?

Vire

Se você está observando uma paisagem ou uma imagem grande demais, tire uma foto e coloque-a de cabeça para baixo. Trabalhando fora do reconhecimento natural do cérebro, os símbolos são formas significativas que ajudam a melhorar a capacidade de desenhar. Quando mudamos o que estamos olhando do reconhecível para o irreconhecível, deixamos de ver símbolos (olho, nariz, cabelo,) e somos capazes de ver o resumo. Nós simplesmente vemos a luz, forma e cor. Estes elementos são muito mais fáceis de reproduzir com precisão, sem a interferência de nossas mentes nos dizendo: "Não, não, um nariz deve ficar ASSIM!"

Limpe

Pegue os materiais de sua arte. Limpe-os. Limpe a sua área de trabalho. Esvazie o lixo, coloque a louça longe. Retire o papel de rascunho utilizado, limpe a mesa.Use uma escova ou ar de pulverização para tirar a sujeira do seu teclado. Limpe o seu mouse. A parte inferior também. Limpe a sua tablet e a caneta. Lave bem seus pincéis.

Limpe a sua paleta. Aponte seu lápis. Limpe a borracha e suas ferramentas de mistura. Mude a ponta da caneta e limpe o que foi utilizado. Organize seus markers. Tome nota de todas as cores que acabaram ou desaparecidas. Reabasteça seus suprimentos de papel, o material barato e as coisas caras.

Mantenha o seu espaço de trabalho limpo e você vai sentir um nível de stress menor. Você vai sentir o seu trabalho mais eficiente e prático, com um pouco de cuidado e arrumação.

Compare

Tome de duas ou mais imagens como referência ou inspiração. Coloque-as próximos umas das outras. Observe. O que você gosta de cada uma? O que você não gosta? Como é o uso do espaço em cada uma? Elas estão usando a mesma perspectiva? Uma destacou-se em sua mente? Em caso afirmativo, por quê? Será que a outra tem menos méritos que a primeira?

Tenha na mente que não há nenhuma referência perfeita ou inspiração perfeita. Alguns correspondem ao que você imagina para seu desenho mais do que outros, mas uma única referência não precisa ser usada para um desenho. Várias imagens de vários ângulos e iluminação dão mais informação visual, e você voltará a expandir sua base de dados artísticos. Observando mais do que precisa ser desenhado vai ajudar a puxar os seus desenhos para fora da página. Para adicionar vida em um desenho, observe e relate ... vida!
Além disso, faça uma anotação mental enquanto compara os dados artísticas: cada imagem é semelhante? Você vê toda parte que se sobrepõem? É hora de expandir para além do que atualmente você tem agora? Crescimento não pode existir sem a experimentação e exploração. Quando você vê a repetição na arte que você ama e na arte que você produz, é hora de buscar algo novo.

Faça perguntas

Olhe para o seu trabalho passado. Olhe para o seu trabalho agora. O que você melhorou? O que você não tem melhorado? O que você tem evitado trabalhar por medo ou frustração? (A habilidade das mãos não irá se manifestar magicamente!) Pergunte por que você fez as opções de cores que você fez. O seu conhecimento melhorou desde então? Será que a obra transmitiu a emoção ou mensagem que você queria?

Seja sincero!

Pergunte a si mesmo como você mudaria uma obra que começou desde o início. Pergunte o que você gostaria de acrescentar, no caso de ter trabalhado nela um pouco mais. Coloque de cabeça para baixo e pergunte o que parece agora. Pergunte por que você sente que é uma das melhores, piores ou médias obras. Pergunte como você se sente agora, quando olha para ela. Pergunte por que você fez as escolhas que você fez. Pergunte como você é diferente da arte que o inspira. Pergunte como vocês são semelhantes.

Seja curioso, seja provocativo com sua arte. Provoque uma resposta dentro de si mesmo para as perguntas de observação.

Desenhe em um ambiente diferente

Se possível, arrume suas coisas e mude para outro lugar para desenhar. Vá para fora na luz natural. Mude de lâmpadas incandescentes para as halogêneas, ou de halogênio para lâmpadas incandescentes. Se você é capaz de mudar sua fonte de luz de trabalho, mude.

Você pode notar que você tende a favorecer uma direção determinada de fonte de luz ou certos esquemas de cores em seus desenhos dependendo da sua situação atual de luz. Mude a iluminação para cima e veja o que muda. Você é a favor dos tons quentes porque você usa uma lâmpada incandescente? Você compensa a luz azul do halogênio? É a lâmpada na frente de você causando uma sombra de mão pesada? E você moveu para trás, ou girou a sua mesa em direção a uma janela? Desenho fora também pode ajudar com observação sob luz natural. E um pouco de ar fresco nunca faz mal.

Sacuda

Você já rodou e virou sua referência para observá-la, agora vire seu desenho. Isto pode ser usado para a melhorar a técnica criativa. Não é apenas necessário para a reprodução realista precisa. Invertendo-o, você adiciona um elemento para a composição? Está adequado o enquadramento? É essa a direção de iluminação que você realmente quer?
Arte nunca precisa ser estagnada como um processo. Pode ser uma ferramenta dinâmica de aprendizagem para a sua memória e os sentidos. E você pode aplicar isso ao processo de desenho também. Você pode aplicar todos os seus sentidos e conhecimento para desenho, não apenas determinação e prática.

Deixe para outro dia

Se você ficar muito frustrado, deixe o trabalho pra lá. Descanse os olhos. Faça outra coisa. Depois de ter observado, fazer perguntas, virado para verificar erros nos símbolo, e esgotado o processo de aplicação, observação e crítica, deixe-o. Não deixe sua mente se debruçar sobre coisas que irão frustrá-lo. Determinação é admirável, mas a exaustão é improdutiva. Não procrastinar sobre as coisas que você acha difícil, mas permitir-se trabalhar para o ponto que você não pode continuar a melhorar, então parar, descansar e voltar. Você pode ter uma nova perspectiva ou encontrar um novo método no tempo entre o desenho e a criação. Durante o seu tempo de descanso, você pode querer tentar encontrar algumas respostas.

Peça ajuda

Uma vez que você faz essas perguntas a si mesmo sobre seu próprio trabalho e seu próprio processo pessoal, convide à observação e opinião outras pessoas dispostas a dar críticas. Esta etapa pode ser assustadora e incerta, porque você não tem controle sobre o comentarios que você receberá. Tudo o que você pode fazer é tentar ter a sua arte vista por aqueles que estão dispostos e são capazes de fornecer comentários eficazes. Amigos e fãs podem não ser a melhor fonte para a melhoria, mas também não serão aqueles que escolhem a zombaria. Não dê muita atenção à críticas muito suaves e pouco significativas, e também não leve muito em consideração críticas desnecessariamente rudes: o foco deve ser em idéia e sugestões em que você não tenha pensado anteriormente. Aceite comentários e críticas, mas saiba que eles são apenas as opiniões dos outros. O que você cria é um processo seu, sozinho.

Meça

Pegue uma régua. Meça um pedaço de sua referência. Observe o tamanho da imagem de referência. Ajuste a medida para a escala do seu desenho. Agora meça o mesmo pedaço de seu desenho. Será que eles combinam? O braço é do mesmo comprimento que a sua referência? Aquelas árvores estão na mesma distância?
Se você está exagerando ou estilizando, o seu personagem está proporcional de todos os ângulos?

Corte

Se for um trabalho digital, basta usar a ferramenta feita pra isso mesmo crop.
Pegue alguns pedaços de papel preto ou branco. Sistematicamente cubra partes de seu desenho. Encontre uma composição dentro da composição. Apenas o olho? Talvez uma matriz abstrata de cores. Talvez uma forma mais dinâmica para mostrar o personagem sem muito espaço vazio. Adicione mais detalhes enquanto a imagem é cortada. Ou não adicione detalhes, olhe para vários cortes diferentes dentro da imagem. Isso faz parte do processo de VER, e ajuda o cérebro a remover a desordem e apenas se concentrar no que é necessário. Você pode achar que precisa de informações muito menos visuais em uma imagem que você está transmitindo.

Faça um jornal

Por último, mas não menos importante, grave seu processo, não apenas o produto acabado. Registre aquelas perguntas que você tem, os sentimentos e intuições, as poucas dicas que você aprendeu, os comentários dos outros e as pequenas coisas que você quer se lembrar. A arte é um processo, não apenas um produto, e o processo pode ser tão gratificante como qualquer coisa que é produzida. Seu jornal não precisa ser público, ele só precisa ajudar a lembrá-lo de onde você partiu e o que conseguiu.

Texto original: Link (em inglês), por Kxhara - Livre tradução: Ânima Academia de Arte
Você pode copiar e usar, mas lembre-se de dar os créditos para o autor e tradução.

Lançamento da Ação Magazine

2011-07-11T15:19:00.008-03:00

Nos próximos dias 15, 16 e 17 de julho, durante o Festival do Japão, na cidade de São Paulo, será realizado o esperado lançamento da revista Ação Magazine!

É um lançamento revolucionário para o mercado brasileiro, pois a revista funcionará como a semanal Shonen Jump, um dos mais famosos periódicos de mangá do Japão. Ou seja, publicará um capítulo de cada história em cada edição, com a diferença de que a revista brasileira será mensal.

E já na primeira edição, os leitores poderão conferir o trabalho de um professor e dois ex-alunos da Ânima! O professor de mangá Maurílio DNA ilustra a história "Tunado", escrita por Victor Strang, e a história "Jairo" é escrita e desenhada por Altair Messias.

Compareça, adquira a revista e apoie essa importante iniciativa do quadrinho e mangá nacional!
O Festival do Japão ocorre no Centro de Exposições Imigrantes (Rodovia dos Imigrantes, Km 1,5 - São Paulo - SP), e você pode conferir a programação completa e maiores informações no site www.festivaldojapao.com.

E veja outros trabalhos dos autores visitando seus perfis no site DeviantArt:
Maurilio Dna
Victor Strang
Altair Messias

Dez Coisas que um Artista Deve se Perguntar

2011-06-27T13:24:00.008-03:00

"Aqui estão 10 perguntas importantes para você fazer a si mesmo. Leia constantemente como uma lista de verificação para certificar-se de que você está indo na direção certa pra usar todo seu potencial artístico.

1. O que te motiva a criar arte? Anote sua resposta e pense sobre como você pode usar esta informação muito importante.

2. Que tipo de informação você está colocando na internet? A internet é o novo currículo. Se eu posso encontrar fotos ou comentários idiotas seus, outras pessoas podem também...

3. A sua arte expressa algo interessante? A arte significa algo para seus telespectadores e não apenas para seu criador.

4. O fracasso te empurra para a frente? O modo que você lida com o fracasso, vai determinar o quão habilidoso você se tornará.

5. Você gosta de discutir ou falar mal do trabalho das pessoas? Se você é o tipo de pessoa que gosta de falar mal, isso voltará para você. Especialmente com a internet e todas as redes sociais.

6. Você experimenta novos métodos/materiais/assuntos que podem ser desconfortáveis no início? O sucesso é inevitável se você sempre escolher acreditar "É minha obrigação tentar."

7. Você tem um forte propósito ou objetivo? Quando você tem um propósito, você está por conta dele. Algo especial acontece quando você mostra uma determinação para alcançar um objetivo.

8. Você está aberto para conhecer novas pessoas e ouvir opiniões dos outros? Seu coração e mente são as portas para o sucesso e felicidade. Mantenha-os abertos ou perderá grandes oportunidades.

9. Você pode deixar seu ambiente parecido com você ou escolha ser quem você quer ser. O corpo e a mente podem ser moldados para ser qualquer tipo de pessoa que você deseja. Você apenas tem que treiná-los através da persistência e da busca constante pelo conhecimento. (* Eu comecei a ser "bom" em arte quando eu decidi ser extremamente sério a respeito dela.) Que tipo de pessoa você quer ser?

10. Você pensa constantemente sobre seus objetivos? A melhor maneira de alcançar uma meta é tê-la em sua mente o tempo todo. Fique pensando sobre isso até obter o seu objetivo. Eu não sou o primeiro a dizer isto e nem serei o último.

Eu acho que é importante mencionar que eu não acredito que se trata talento natural quando falamos de arte, acredito na persistência. E qualquer um pode ser persistente.

Agora espante a preguiça com um soco na cara e tenha um ótimo dia!

Enviando vibrações positivas para todos vocês.

Bobby"

Original em Inglês: link

Bobby Chiu é ilustrador e para saber mais sobre ele e seu trabalho, acesse imaginism.deviantart.com e www.imaginismstudios.com/

Visita à exposição "O Mundo Mágico de Escher"

2011-06-27T09:28:00.012-03:00

Escadas e degraus que sobem e descem. Planos que desafiam nosso olhar. No Centro Cultural Banco do Brasil em São Paulo, desde 19 de abril está a exposição Mundo Mágico de Escher, em comemoração aos 10 anos de atuação do Centro Cultural em São Paulo.
Essa é segunda maior mostra da obra do artista holandês já realizada no País, reunindo 95 obras, entre gravuras originais e desenhos, incluindo todos os trabalhos mais conhecidos do artista e suas obras mais enigmáticas.

A Ânima não podia deixar passar uma oportunidade como essa e no feriado do dia 23/6 levou seus alunos para conhecer e se deleitar com o trabalho do famoso gravurista holandês.

Prof Israel Maia estuda um pouquinho antes de explicar aos alunos um pouco sobre o que é gravura e sobre o trabalho de M.C. Escher.

O ônibus foi lotado!

Entre as obras originais estavam também expostas reproduções em tamanho exagerado, instalções e obras interativas, onde o público podia olhar mais de perto o trabalho de Escher e também entrar no universo fantástico que ele criou.

O Centro Cultural Banco do Brasil por si só já uma obra de Arte: ocupa o prédio construído em 1901 na Rua Álvares Penteado, 112, esquina com a Rua da Quitanda. Localizado no coração histórico da cidade, numa via hoje de pedestres, o edifício foi comprado em 1923 pelo Banco do Brasil. Em 1927, após uma reforma projetada pelo arquiteto Hippolyto Pujol, tornou-se o primeiro prédio próprio do Banco do Brasil na capital.
A construção foi inteiramente reformada para abrigar o Centro Cultural Banco do Brasil. Os elementos originais foram restaurados, mantendo assim as linhas que o tornam um dos mais significativos exemplos da arquitetura do início do século. A construção de cinco andares (mais subsolo e mezanino) é tombada e conta em sua arquitetura com elementos de NeoClassicismo, ArtNoveau e ArtDéco.

Entrada do CCBB-SP.

Maquete do prédio.

Prof Emerson Penerari e uma das reproduções de uma das mis conhecidas obras de Escher (o original estava na exposição!)

A interação com o público foi bem forte nesta mostra.

Confira algumas fotos da visita da Ânima à exposição!

A parte mais diputada da exposição foi essa sala da relatividade... Olha o Paulo e o Jessé como ficaram!

Thaís e Tadeu

Jessé estava atento a todos os trabalhos.

Pedro e o Prof Emerson Penerari

Todos preparados? Que cara é essa Emerson???

Várias reproduções foram feitas para os expectadores poderem observar mais detalhes da obra de Escher.

Thaís e o prof Tiago Oliveira

A turma do fundão (repara na cara do Plínio!)

Professores Layla Dinnouti e Israel Maia

Henrique e os profs Israel Maia e Emerson Penerari: caindo ao infinito!

Tamires também foi!!!

Nicolas e a Prof Gisela Pizzatto

Dentro do CCBB as turmas se dividiram para poderem ver melhor a exposição.

Prof Bruno Büll se divertiu!

Poliana e Nicolas

Lisandra e Carmen

O retorno foi tranquilo: todos cansados, mas muito satisfeitos.

Será que a Layla cansou?

Ânima na Itália!

2011-06-26T11:26:00.006-03:00

Nos dias 25 e 26 de Junho aconteceu na cidade italiana de Sarno (província de Salarno, na Itália) a quinta edição da feira de quadrinhos "Sarno a Fumetti".

Exposições, convidados, concurso cosplay e tudo mais que um bom evento tem que ter! A feira foi destaque na mídia local e a Ânima também participou do evento, tendo enviado trabalho de alunos e professores para a exposição.

Parabéns aos participantes!

Trabalho da prof Gisela Pizzatto

Trabalho de Ayara Almeida

Trabalho da prof Layla Dinnouti

Trabalho de Tiago Chaves

Ânima no programa Point 21 Oficina

2011-06-14T15:15:00.004-03:00

A Ânima, representada pelos professores Bruno Büll, Emerson Penerari, Gisela Pizzatto e Israel Maia, participou do programa Point 21 Oficina, do canal TV Século 21 (número 24 na rede de programação da TV por assinatura NET).

A pauta do programa incluía aspectos relacionados à arte, especialmente arte urbana, discutindo a diferença entre graffiti e pichação, entre outros assuntos.

Veja no vídeo a participação dos professores da Ânima, assistindo-o abaixo ou vendo direto no YouTube, no link http://www.youtube.com/watch?v=cbD5w9pRdas.